Annie Strack, skąd pochodzą jej arcydzieła
Nie ma lepszego uczucia niż wtedy, gdy wszystko się układa. Dzięki artystycznym i kreatywnym zajęciom to uczucie może być szczególnie słodkie - zwłaszcza jeśli podróż miała wiele wzlotów i upadków, zwrotów akcji i zwrotów. Artysta akwareli Annie Strack opowiada o tym, jak się czuje, gdy wszystko idzie dobrze i jak się tam dostać. Wraz z nią zagłębiamy się w kilka takich ulubionych chwil i zagłębiamy się w powierzchnie, w szczególności, gdzie te arcydzieła „żyją” dyskusjami na temat metod i technik, w jaki sposób się tam dostały, po jednym natchnionym uderzeniu lub znaku na raz.
Jeśli jesteś gotów spróbować swoich sił w arcydziele akwareli z papierem, który może przynieść pożądane rezultaty, pamiętaj, aby otrzymać parę bezpłatnych próbek papieru od Hahnemühle do wyczerpania zapasów!
Czy to mit?
Kiedy pytasz Annie Strack o czas w studio lub szkicowanie (okazja duża lub mała), kiedy wszystko szło dobrze podczas malowania, śmieje się głośno. „To się nigdy nie zdarza” - mówi. „Popełniam wiele błędów i zawsze coś idzie nie tak. Czasami jest to coś naprawdę głupiego, jak użycie koloru plamienia, kiedy planowałem później podnieść farbę. Lub za pomocą niebrudzącego koloru pod szkliwem. Lub niepoprawne planowanie moich wartości lub niewłaściwe planowanie składu, lista jest długa.”
Ale nigdy się tym nie denerwuje, ponieważ ma doświadczenie, by wiedzieć, że zdarza się czkawka, wypadki i błędy. Ale kluczową kwestią w przypadku wystąpienia takiej okoliczności jest zdolność Annie do przystosowania się. „Ciągle zmieniam swoje plany, a moje obrazy ewoluują w miarę postępu” - mówi.
Skutkuje to tym, że czasami jej obraz wygląda zupełnie inaczej niż początkowe koncepcje. „Na przykład malowałem burzliwe niebo jako tło do malowania liniowca oceanicznego i przypadkowo użyłem pigmentu barwiącego do stworzenia mojego ciemnego nieba. Nie mogłem podnieść farby, aby zobrazować burzowe chmury i deszcz, których początkowo chciałem, ale już miałem zbyt wiele czasu zainwestowałem w rysowanie statku.”
Co ona zrobiła?
„Zmieniłem oświetlenie i zrobiłem z niego obraz nokturnowy. Powstały obraz nokturnowy był znacznie lepszy niż burzliwy obraz, który pierwotnie planowałem”- mówi Annie.
Ta zdolność adaptacji i chęć zmiany jej planów pozwala Annie kontynuować jazdę na drodze do wielkiej sztuki. Ale to nie znaczy, że całkowicie rzuca planowanie i przygotowania.
Właściwy sposób na rozpoczęcie
Annie zawsze przygotowuje swoje akwarele z bardzo szczegółowym rysunkiem, czasami spędzając dwa lub trzy razy więcej czasu niż na malowaniu. Sprawdza swój rysunek w lustrze do góry nogami i zmniejsza się z pewnej odległości, aby upewnić się, że ma dobrą kompozycję i perspektywę, zanim zacznie malować.
Annie zna się całkiem dobrze, a kluczem do jej procesu jest wymazywanie i ponowne rysowanie, zanim zrobi to dobrze. Dlatego tak ważna jest dla niej trwała powierzchnia.
Błędy i jak je popełnić
Tak, najlepszym sposobem radzenia sobie z błędami jest próba ich uniknięcia. Annie zawsze ostrzega uczniów (i siebie!), Aby poświęcali czas przy każdym pociągnięciu pędzla i uważali, aby nie pomalować lub źle ustawić pędzel.
Zarządza także błędami, trzymając mały kawałek papieru akwarelowego obok swojej palety i testuje na nim pociągnięcia pędzla przed nałożeniem pędzla na swój obraz. Dlaczego? „Chcę się upewnić, że mam odpowiedni stosunek wody do pigmentu i że mam idealną ilość płynu na pędzlu, aby uzyskać technikę, którą chcę” - mówi. „Nawet mieszam kolory na złomowanym papierze akwarelowym, dzięki czemu mogę dokładnie zobaczyć, jak będą wyglądać na obrazie. Mimo to zdarzają się błędy. Dlatego lubię papier, który ma wiele rozmiarów - jak te z Hahnemühle.”Wysokiej jakości powierzchnie, takie jak Hahnemühle Cézanne i papiery Harmony, pozwalają Annie łatwiej podnosić i usuwać farbę oraz korygować błędy bez uszkadzania jej powierzchni.
„Staram się również celowo umieszczać każde pociągnięcie pędzla” - mówi Annie. „Ludzie, którzy patrzą, jak maluję, zawsze myślą, że maluję szybko, a moje pociągnięcia pędzlem są szybkie i przypadkowe. Mogę być szybki, ale każdy pociągnięcie pędzlem jest starannie przemyślane i zaplanowane.”
Kiedy przestać
Annie zawsze próbuje się zatrzymać, zanim pomyśli, że jest skończona. „Jeśli poczekam, aż skończę, posunę się za daleko”.
Łatwo jest pomalować obraz akwarelowy, a przepracowanie go rujnuje za każdym razem. Wielu artystów będzie próbowało malować więcej, myśląc, że to poprawi, ale Annie mówi, że jest to rzadkie i zwykle tylko pogarsza.
Sztuką jest wiedzieć, kiedy malowanie akwarelowe jest gotowe, aby przestać - i na długo przed myśleniem, że jest zrobione. „Zachęcam moich uczniów do korzystania z systemu koleżeńskiego, aby mieć oko na ucznia znajdującego się obok niego i przypominać sobie, aby przestali wcześnie. Pewność siebie, by zatrzymać się wcześniej na własną rękę, wiąże się z doświadczeniem i pomaga moim uczniom wiedzieć, kiedy przestać ćwiczyć tę umiejętność, patrząc na innych w pokoju.”
W rezultacie uczniowie pomagają sobie nawzajem zobaczyć swoją pracę świeżymi oczami, a obrazy, które ich zdaniem są już prawie gotowe, są w rzeczywistości dobrze wykonane.
Jako malarz sam w sobie oznacza to, że Annie nigdy nie przestaje myśleć, że obraz jest skończony, ale musi wrócić. "Nie. Nigdy. Robiłem to dawno temu, ale nie robiłem tego od wielu lat. Pozwoliłbym im usiąść przez tydzień lub dwa i wrócił do nich, by trochę je ulepszyć, ale teraz wiem, kiedy skończę i przestaję - i przechodzę do następnego.”
Ostatnie kroki
Ostatnie kroki Annie z obrazem, które nie mają nic wspólnego z faktycznym obrazem, polegają na zastosowaniu jej podpisu i udokumentowaniu szczegółów na jego temat. „Tytułem i imieniem zapisuję na odwrocie obrazu moje imię, a także gramaturę, powierzchnię i nazwę używanego papieru” - mówi. Ta ostatnia uwaga na szczegóły polega na tym, że Annie używa wielu różnych dokumentów, co pozwala jej później je porównać. Daje jej także możliwość pokazania uczniom, jak działają różne prace z niezliczoną ilością różnych technik malarskich. Na przykład papiery Hahnemühle Cézanne i Harmony to dwa, z których często korzysta Annie, ponieważ każdy ma inny wygląd i charakter - unikalne właściwości, z których każdy artysta akwareli mógłby się wiele nauczyć na podstawie pracy w studio.
Następnie Annie fotografuje wszystkie swoje obrazy i umieszcza je w różnych serwisach społecznościowych, gdzie większość z nich sprzedaje. Odkłada się garść obrazów, aby wziąć udział w pokazach jurorskich. „Konkurs jest trudny, a ja biorę tylko najlepszą pracę”, potwierdza Annie. „Te obrazy są kadrowane, zanim zostaną wysłane na pokazy, ale nie oprawiam niczego innego - wolę sprzedawać moje obrazy bez oprawek, ponieważ łatwiej jest je wysłać, a klienci mogą je następnie oprawić w dowolny sposób. Maluję tylko obrazy, które idą na wystawy.”
Refleksja na powierzchni
Zastanawiając się nad całym procesem malowania, Annie potwierdza, że jej powierzchnia odgrywa istotną rolę w sukcesie obrazu dla niej.
„Używam tańszych artykułów do pokazów w klasie, kiedy tylko demonstruję techniki i nie próbuję stworzyć wielkiego dzieła sztuki. Ale w przypadku większych, złożonych obrazów, które tworzę, aby uczestniczyć w pokazach jurorskich, używam tylko najlepszych dostępnych papierów.”
Papier wysokiej jakości dobrze sprawdzi się podczas intensywnych prań na mokro i lepiej utrzyma swój kształt. Powierzchnia wytrzyma wiele warstw szkliwienia i warstwowych farb i nie będzie się ścierać z pocierania lub energicznego malowania pędzlem. Dobry papier ma dużą ilość kleju, który zapobiega przenikaniu farby i wody, ale nie na tyle, aby granulki klejące lub zastygały na powierzchni.
Wskazówki dotyczące wyboru powierzchni
+ Wybierz gramaturę i teksturę papieru w zależności od rozmiaru obrazu i technik, które planujesz zastosować. W przypadku elementów większych niż pół arkusza użyj papieru o wadze 300 funtów. Coś lżejszego będzie chciało się zapiąć, co utrudnia malowanie.
+ Użyj 300 funtów na mniejszych obrazach, jeśli planujesz zużyć dużo wody, aby stworzyć naprawdę mokre mycie lub zastosować techniki mokre do mokrych.
+ Cięższy papier ma również więcej tekstur niż lżejsze papiery, więc jeśli naprawdę chcesz uzyskać maksymalną ilość tekstur, Annie zaleca użycie cięższego papieru - szorstki 300 funtów ma znacznie więcej faktury niż szorstki 140 funtów. Dotyczy to również wszystkich powierzchni - 300 funtów tłoczonych na zimno zawsze ma bardziej szorstką teksturę niż 140 funtów prasowanych na zimno, a 300 funtów prasowanych na gorąco nie będzie tak gładkich jak 140 funtów prasowanych na gorąco. Znając te rzeczy, łatwiej jest wybrać odpowiednią wagę i teksturę do każdego obrazu.
Annie zaleca eksplorowanie ton różnych powierzchni, tak jak ona, abyś wiedział, co lubisz i co doprowadzi Cię do tego, jakie obrazy chcesz stworzyć. Aby pomóc każdemu artyście odkryć, która powierzchnia jest dla niego odpowiednia, Hahnemühle oferuje nam próbkę papieru Harmony i Cézanne do wyczerpania zapasów. Zdobądź darmowe próbki już teraz!
O artyście
Annie Strack to klasycznie wyszkolona artystka z dużym doświadczeniem w wielu mediach. Jej prace i instrukcje były prezentowane w wielu czasopismach, w tym m.in. w Kalendarzu Sztuki, The Artists Magazine, Watercolor Magazine oraz House & Home. Obrazy Annie otrzymały setki nagród. Jej prace znajdują się w ponad 1000 kolekcji na całym świecie. Jest autorką The Artists Guide to Business & Marketing. Jest członkiem-sygnaturą 13 międzynarodowych i krajowych stowarzyszeń artystów. Annie jest ekspertem kuratorem wystaw, konsultantem biznesu artystycznego i jurorem pokazów sztuki. Podróżuje po całym świecie, aby uczyć warsztatów. Annie jest także gospodarzem popularnego programu telewizyjnego Painting Seascapes in Watercolor, który jest emitowany w ponad 190 stacjach telewizyjnych na całym świecie.
