Aby uczcić intensywność akwareli i jej wpływ na świat sztuki, poszliśmy do siedmiu amerykańskich i brytyjskich muzeów i poprosiliśmy kuratorów o wybranie jednej znaczącej akwareli ze swoich kolekcji.
Mimo że ich wybory stanowią jedynie niewielką próbkę istniejących arcydzieł akwareli, obrazy te przedstawiają ewolucję medium w XIX i XX wieku.
Następujący artyści przyjęli to, co początkowo było wyłącznie ilustracyjnym i topograficznym medium, i wznieśli go na coraz bardziej eksperymentalne i ekspresyjne wyżyny.
Cud świata akwareli# 1
Pierwszy z cudów świata akwareli, siedem żywych ptaków siedzących z rozpostartymi skrzydłami, podskakującymi głowami i szczękającymi dziobami. Jedyny gatunek papugi pochodzący z USA, papuga Karolina wyginęła mniej niż 100 lat po tym, jak przedstawił ją John James Audubon.
Roberta JM Olson, kurator Rysunków w The New-York Historical Society, mówi: „Doskonałe przedstawienie Audubona najlepiej zachowuje żywotność gatunku”. Audubon wykonał tę dynamiczną akwarelę dla Ptaków Ameryki, książki, która zrewolucjonizowała ilustrację ornitologiczną.
Nikt przed nim nie przedstawiał ptaków naturalnej wielkości, w akcji, w otoczeniu ich naturalnego środowiska. Pracując przez 19 lat, aby przedstawić wszystkie gatunki ptaków w Ameryce, Audubon stworzył 435 akwareli, z których wszystkie znajdują się w kolekcji The New-York Historical Society.
Akwarele wydrukowano jako litografie w kolorze ręcznie. W tym czasie artysta opracował innowacyjne metody akwareli. Według Olsona „Audubon eksperymentował z nowymi technikami modelowania, kolażu i mieszania mediów - w tym pigmentów metalicznych - i jest uważany za pierwszego wielkiego akwarelą w Ameryce”.
Papużki Karoliny są przykładem jego śmiałego i umiejętnego korzystania z wielu mediów. „Dzięki zwartej stratygrafii warstw akwareli, gwaszu i pastelów… i tysiącom równoległych pociągnięć Audubon zasugerował tekstury ich upierzenia”.
Olson kontynuuje: „Podczas tournee rysował grafitem nad akwarelą każdy wał i kolec. Te linie grafitowe reprezentują teraz lśniące opalizowanie, które niegdyś widziały w naturze, kiedy wymarły gatunek poruszał się w świetle.”Ze względu na zaangażowanie Audubona w naukową obserwację i eksperymentalne użycie akwareli, jego ptaki praktycznie zniknęły z kartki.
Cud świata akwareli# 2
Richard Parkes Bonington przedstawił surowe wnętrze średniowiecznej bazyliki św. Ambrożego w Mediolanie w ziemistych kolorach. Ostrożnie przedstawił strzelistą architekturę w perspektywie, przedstawiając łuki i filary, jednocześnie pozwalając na swobodny przepływ akwareli, przedstawiając starzejące się kamienne powierzchnie.
„Bonington połączył akwarelę z kolorem ciała [nieprzezroczysta farba] i lakier do gumy w ciemniejszych obszarach, aby stworzyć subtelne przejścia między światłem a ciemnością”, opisuje dr Lelia Packer, działająca kuratorka The Wallace Collection, obrazy, akwarele, miniatury i rękopisy.
„Wybuchy światła ożywiają obraz, tak jak na grillu pośrodku i odległym chórze”. Mimo że praca jest w większości dokładnym przedstawieniem katedry, Packer mówi: „Bonington wykorzystał swą swobodę, wyolbrzymiając gotyckie rysy, które muszą szczególnie mu się podobały.”
Bonington często szkicował lokalizację w oleju i przerabiał swoich poddanych na gotowe akwarele później w swoim studio. Według Packera, Mediolan: Wnętrze Sant 'Ambrogio odegrało kluczową rolę w niedawnym odkryciu i ponownej dystrybucji szkicu olejnego w kolekcji Kimbell Art Museum w Fort Worth w Teksasie.
„Dokładne porównanie akwareli Wallace'a ze szkicem olejnym Kimbell określiło ich bliski związek”, mówi Packer. „Bonington pozostał względnie wierny swojemu [szkicowi olejnemu], oprócz zmiany pozycji niektórych postaci z lewej na prawą stronę bazyliki”.
Cud świata akwareli# 3
Ta burzliwa akwarela reprezentuje fascynację JMW Turner wysublimowaną naturą w jej najbardziej okrutnej, przerażającej i budzącej respekt. W prawym dolnym rogu niewielki wóz uformowany przez kilka pociągnięć czerwonawego pigmentu stanowi skalę dla przytłaczającej sceny. Strome góry górują nad podróżnikiem, gdy woda rozbija się przez wąską przełęcz.
Turner spędzał każdego lata w Szwajcarii w latach 1840–1845. Według Johna Marciariego, kuratora i dyrektora Morgan Library & Museum Charles W. Engelhard, rysunki i grafiki: „W 1842 r. Turner wspiął się na przełęcz nad St. Gotthard i był świadkiem rzeki Ticino w wiosennym potoku, gdy topniejący śnieg puchł rzeka."
Kiedy Turner wrócił do Anglii ze szkicem sceny, pokazał ją krytykowi Johnowi Ruskinowi, jednemu z największych mistrzów Turnera. „Ruskin natychmiast zlecił wykonanie tej gotowej akwareli Turnerowi, twierdząc, że„ jest to największe dzieło, jakie wykonał w ostatnim okresie swojej twórczości”- mówi Marciari.
W Przełęczy w St. Gotthard, niedaleko Faido, Turner zastosował genialne techniki, które uczyniły go najbardziej znanym brytyjskim akwarelą 19 wieku. Opisując akwarelę, Marciari mówi: „Technika Turnera jest tak niezwykła jak jego wizja, wyznaczając góry warstwami akwareli, usuwając warstwy farby i papieru, a następnie dodając kolejne warstwy kolorów i gwasz, gdy przekazuje światło, mgłę i rwąca woda z przełęczy.”
Turner nawet zostawił ślady palców, gdy mieszał i plamiał mokrą niebieską farbę na pierwszym planie.
Cud świata akwareli# 4
Boso, w zwiniętych spodniach i słomkowym kapeluszu, chłopiec siedzi na dużej kotwicy, odwrócony od widza. Piaszczysta plaża jest usiana gładkimi, okrągłymi kamieniami i chmurami wznoszącymi się na horyzoncie.
Wcześniej w swojej karierze Winslow Homer używał akwareli w rysunkach do rycin oraz w szkicach przygotowawczych do obrazów olejnych, ale dopiero w 1873 r. Wykonał swoje pierwsze akwarele na wystawę.
Tego roku spędził lato w Gloucester w stanie Massachusetts, gdzie zainspirował się do rysowania i malowania dzieci bawiących się na plażach i nabrzeżu.
„Ta wczesna akwarela autorstwa Winslow Homer wyróżnia się dramatyczną klarownością projektu i zwięzłą, mocną aplikacją pigmentu” - mówi Emily J. Peters, kustosz grafiki i rysunków w Muzeum Sztuki w Cleveland. „Niezwykle ekonomiczny pod względem technicznym, został najpierw narysowany ołówkiem, a następnie wykonany tylko kilkoma kolorami.”
W sztuce po wojnie secesyjnej dzieci były postrzegane nie tylko jako zwiastuny nowej ery, ale także jako symbole utraconej niewinności narodu. Akwarele Gloucester Homera dzielą ten nurt.
„W tej akwareli kotwica, na której siedzi chłopiec, jest symbolem bezpieczeństwa i stabilności”, zauważa Peters. „Jest również skonfigurowany jako wskaźnik, jak strzała kierująca oko widza w morze, gdzie pewnego dnia chłopiec zostanie zmuszony do niebezpiecznego źródła utrzymania”.
Cud świata akwareli# 5
Rozczochrany Afroamerykanin siedzi na krześle w ciemnym pokoju. Światło filtruje przez okno, podkreślając rysy twarzy i pomarszczone kostki palców. Jego koszula wystaje spod poszarpanej kurtki, wstrzykując odrobinę niebieskiego do ziemistej palety. Ten człowiek to Willard Snowden, który wykonywał dziwne prace w studiu Andrew Wyetha i stał się częstym wzorem dla artysty.
Według Audrey Lewis, kustosza w Brandywine River Museum of Art w Chadds Ford, Pensylwania, rodzinnym mieście Wyeth, tytuł akwareli nawiązuje do rozmownej natury Snowdena podczas pozowania. Lewis mówi: „Otoczony pustką w dużym, jałowym pokoju na obrzeżach studia Wyeth wydaje się, że wygłasza wspaniałe przemówienie niewidzialnej publiczności”.
Wyeth stworzył ten portret za pomocą suchego pędzla, techniki, która pozwoliła mu na celowe podejście. „Pracuję w suchym pędzlu, kiedy moje emocje stają się wystarczająco głębokie w temat” - powiedział kiedyś. „Maluję mniejszym pędzlem, zanurzam go w kolorze, rozlewam pędzel i włosie, wyciskam dużo wilgoci i wybarwiam palcami, aby pozostała bardzo niewielka ilość farby.”
Szczotkuje na sucho, aby stworzyć mroczną atmosferę z fakturą i szczegółami w całym tekście. „Tekstura, światło i cień odgrywają kluczową rolę w tym obrazie”, zauważa Lewis, „gdy światło skupia się na Snowden - szczególnie na jego wyrazistej twarzy i rękach - na ciemnościach pokoju”. Takie kontrasty często dawały twórczość Wyeth, w tym Monolog intensywny, psychologiczny nastrój.
Cud świata akwareli# 6
We wrześniu 1916 r. 25-letnia Georgia O'Kee wysiadła z pociągu w Canyon w Teksasie, aby kierować działem sztuki w West Texas Normal State College.
Surowy krajobraz i duże niebo otaczające małe miasteczko w Teksasie zainspirowały młodego nauczyciela sztuki. „O'Kee namalował Gwiazdę Wieczorną nr VII pod koniec sekwencji ośmiu abstrakcyjnych krajobrazów, z których każdy wyraźnie odpowiada, ale nie odwzorowuje kompozycji, która pojawiła się wcześniej”, mówi Carolyn Kastner, kustosz w Georgia O'Kee Museum e Museum.
„To jedna z 51 akwareli stworzonych przez artystkę, kiedy uczyła w Canyon. Jest znaczący, ponieważ wyraża jej wczesną pasję do abstrakcji.”
Wieczorna Gwiazda nr VII wyraża przeżycia O'Keeee o zmierzchu, kiedy podziwiała intensywność wschodzącej Wenus. Akwarelę stworzyła zmywając kolory podstawowe. Pokos ciemnoniebieskiego sugeruje albo ciemniejące niebo, albo ciemną krainę o zmierzchu, co O'Kee w porównaniu do morza.
W swojej autobiografii napisała: „Często odchodziliśmy od miasta w popołudniowym słońcu. … To było jak ocean, ale był to szeroki, szeroki ląd. Gwiazda wieczorna byłaby wysoko na niebie o zachodzie słońca, gdyby było jeszcze światło dzienne. Zafascynowała mnie ta wieczorna gwiazda. … Nie miałem nic innego, jak wejść w pustkę i rozległy zachód słońca z gwiazdą.”
Cud świata akwareli# 7
Czołowy brytyjski malarz krajobrazowy okresu romantycznego, Samuel Palmer, otrzymał zlecenie na późne życie, aby stworzyć serię dużych akwareli inspirowanych poezją Johna Miltona.
W Samotnej wieży Palmer przedstawił świetlisty i nastrojowy nocny krajobraz. Dwóch pasterzy odpoczywa, gdy wschodzący sierp księżyca oświetla wełniste grzbiety ich owiec. Biała sowa wypływa z ciemności nad głęboką przepaścią. Niedaleko ciągnięty wół wagon przemierza linię na kamiennej ścianie.
Na skalistym urwisku w oddali, na tle nieba o zmierzchu, stoi „samotna wieża” z pojedynczym oknem oświetlonym przez prawdopodobnie równie samotnego mieszkańca. Scena wyobraźni przywołuje zaledwie kilka linijek z „Il Penseroso” Miltona. Akwarela oddaje melancholijną atmosferę wiersza, znak rozpoznawczy romantyzmu.
„Palmer używa kombinacji nieprzezroczystego gwaszu i przezroczystej akwareli, aby przekazać nastrój spokojnej kontemplacji poprzez bogate, aksamitne ciemności i ciepłe pasemka” - mówi Melinda McCurdy, współpracownik kuratora sztuki brytyjskiej w Huntington Library, Art Collection i Botanical Gardens. „Dzięki drobnym, kontrolowanym pociągnięciom pędzla artysta porównuje chłodne białe światło gwiazd z żółtym blaskiem księżyca oraz czerwonymi i pomarańczowymi płomieniami płonącymi w oknie wieży i latarni wagonu.”
Palmer pracował nad tą serią akwareli, którą produkował również jako akwaforta, aż do swojej śmierci w 1881 roku.
Więcej cudów ze świata akwareli
Zagłębiaj się w kolejne historie o świecie akwareli, przeszłości i teraźniejszości oraz odkryj techniki i eksperymentalne sposoby korzystania z medium, które ożywi go. 25. edycja Artist Artist to miejsce, od którego można zacząć i jest już dostępna.