Pastelowe malowanie lub pastelowe rysowanie zaczyna się od narzędzia pigmentowego zmieszanego z kredą lub gliną i połączonego z gumą, aby następnie utwardzić pastę i udostępnić ją jako miękkie lub twarde pastele, pastelowe ołówki lub pastele olejne.
Lekcje pastelowe często omawiają medium zarówno w zakresie rysowania, jak i malowania. Można go używać do tworzenia szerokich pociągnięć, które wyglądają na maślane i lite jak farby olejne, ale można ich również używać do tworzenia precyzyjnych linii i znaków podobnych do dowolnego narzędzia do rysowania. Dalszy urok malarstwa pastelowego polega na szerokiej gamie kolorów i możliwości mieszania.
Tym, co sprawia, że pastele są wyjątkowe, jest to, że pastele nie są mieszane razem, tak jak inne media, takie jak oleje, akwarele lub farby akrylowe. Artysta musi wybrać konkretny kolor i wartość, którą chce, lub musi nakładać się na kilka pociągnięć pastelu, aby wtopiły się w oczy widza, aby wyglądały, jakby zostały fizycznie połączone. Artysta pastelowy musi mieć szeroki asortyment pastelowych patyczków do pracy i silne wyczucie warstw.
Pastele były początkowo używane do tworzenia badań dla większych prac, a nie przeznaczone do ukończenia ukończonej pracy. Ale obecnie pastel jest akceptowany jako realne medium artystyczne. Charakter nośnika sprawia, że jest to doskonały wybór również dla tych, którzy preferują przenośność. Malowanie pastelowe wymaga niewielkiej konfiguracji, nie ma potrzeby stosowania rozpuszczalników i nie ma pędzli do czyszczenia. Z tego powodu wielu plenerowych malarzy pracuje w pastelach, a wielu portrecistów z XIX wieku pracowało w pastelach, aby ułatwić szybką egzekucję.
Mistrz malarstwa pastelowego: Jean Francois Millet
Urodzony w rodzinie rolników francuski malarz Jean-François Millet (1814–1875) był najbardziej zainteresowany malowaniem codziennego życia chłopstwa. Jego wczesne prace składały się z portretów i scen duszpasterskich, ale najbardziej znany jest obraz Gleaners.
Obraz przedstawia dwie kobiety zbierające resztki ze zbiorów, pochylające się nisko, aby zebrać tak mało. Zbieranie tego, co zostało ze zbiorów, uznano za jedno z najniższych miejsc pracy w społeczeństwie, jednak Millet zaproponował tym kobietom bohaterskie skupienie obrazu; światło oświetla ramiona kobiet podczas wykonywania pracy. Podczas gdy był krytykowany za prezentowanie socjalistycznych skłonności w swoich pracach, jego obrazy pojawiały się w Salonie Paryskim rok po roku.
Gdy jego popularność wzrosła w latach 60. XIX w. Proso stale otrzymywało prowizje, aw 1865 r. Patron zaczął zamawiać pastelowe rysunki. W latach 1865–1869 malował niemal wyłącznie pastelami, aby ostatecznie zgromadzić 90 dzieł. Dzięki tej kolekcji Millett odkrył możliwości i granice pastelowego malarstwa. „Był jednym z pierwszych, który naprawdę rysował za pomocą medium i używał przerywanych pociągnięć koloru, zamiast mieszać kolory tak, jak robił to wielu wczesnych pastelistów” - mówi Flattmann. Wiele jego późniejszych zdjęć to pejzaże, a postać ludzka jest całkowicie nieobecna. Gdy dorastał, artysta wolał prostsze, bardziej bezpośrednie procesy, takie jak użycie grafitu lub pastelu, niż malowanie. Zamiast intensywnego, ciemnego zabarwienia wielu jego obrazów przedstawiających chłopskie życie, Millet często przepuszczał zabarwiony papier i oszczędnie wykorzystywał jego kolor w swoich pastelach, podkreślając swoje rysunki na pierwszym planie.
Tematyka artysty może dziś zainspirować artystów, którzy mogą zainteresować się tematami uznanymi za kontrowersyjne lub nieciekawe. Użycie pastelu jako narzędzia do rysowania oraz pociągnięcia koloru widoczne w większości jego pastelowych prac nie tylko zwracają większą uwagę na jego tematykę, ale także pokazują, że artysta ma wiele opcji podczas pracy w pastelach.
Źródło: Pastel Masters autorstwa Naomi Ekperigin, magazyn American Artist, 2008.
Przejście z olejów na malowanie pasteli
Aby pomóc mu zmaksymalizować ograniczony czas, jaki ma na sztukę, artysta David Stout postanowił przejść z oleju na pastel. Poza tym, ciesząc się czystością kolorów, artysta docenia to, że przy tym medium nie ma zbyt wiele czasu na ustawianie i nie ma czasu na wysychanie, więc stosunkowo szybko może coś zjeść. Ponieważ wolałby spędzać czas na malowaniu niż na poszukiwaniu nowych produktów, Stout współpracuje z ograniczoną liczbą pasteli i tylko trzema markami: Rembrandt, Sennelier i Schmincke. Chociaż przyznaje się, że w swoim studio ma „mieszankę pasteli”, podzielonych na ciepłe i chłodne kolory, artysta wyczuł, że wybiera pół lub ćwiartkę odpowiedniego koloru. „Pracuję szybko i nie myślę o tym za dużo” - wyjaśnia artysta. „Czuję kolor - wiem, czego chcę i znajduję go”.
Zestaw pastelowy Stouta do malowania na zewnątrz jest ograniczony do około 35 pasteli. (Czasami używa ołówków pastelowych do cienkich linii). Nigdy nie kupuje całego zakresu wartości jednego koloru, opierając się na różnych kolorach dla różnych wartości. Jednym z jego ulubionych kolorów jest ciemnozielony Sennelier (nr 158) „To niesamowite”, zachwyca się. „Używam go zamiast czarnego; oddycha, ma w sobie życie.”Schmincke, zauważa, robi cudowną biel (nr 17001-069D), którą docenia za jej nasycenie i zdolność krycia. W scenach na śniegu lubi używać Sennelier fioletowoniebieski (nr 393), który jest skuteczny w chłodnych cieniach, a Sennelier ochra pomarańczowa (nr 104) jest idealny do tworzenia wyglądu adobe.
Po eksperymentowaniu z różnymi podstawami, Stout osiadł na Sennelier Pastel Card. Lubi jednolitość jego powierzchni, a także fakt, że jest bardzo wybaczający i pozwala mu budować warstwy, aby stworzyć poczucie świetlistości. Sprzyja również drobnej pracy i rysowaniu cienkich linii. Preferuje stonowane karty, chłodniejsze bluesa i szarości do kawałków zimowych i cieplejsze odcienie do scen jesiennych lub z Nowego Meksyku. Przymocowuje kartę do bezkwasowej planszy Fome-Cor dwustronną taśmą bezkwasową i ustawia na francuskiej sztalugach.
Stout rozpoczyna pastelowe dzieło od lekkich wskazówek, tłumacząc, że na tym etapie bardziej myśli niż maluje. „Trzeba podkraść się do pastelowego obrazu” - mówi Stout. „Zacznij światło. Jeśli zbudujesz zbyt szybko, nie ma powrotu. Tracisz świeżość i tę malarską jakość, jakiej pragniesz”. Pałeczką Rembrandta wypalił umber, a następnie blokuje scenę, wykorzystując stonowany papier jako średnią wartość. (Ponieważ używa lekkich pociągnięć, może wypalać inne miękkie pastele nad przypalonym umbrem). Kiedyś przeszedł od najciemniejszej ciemności do najjaśniejszego światła, ale teraz blokuje wartości jasności, środka i ciemności w jednym kroku.
Next Stout maluje kluczowe centrum zainteresowania, a następnie decyduje, co będzie wokół niego. Lubi rozluźniać wszystko oprócz centralnego punktu, pozwalając innym obszarom na uzupełnienie głównej atrakcji. Na ogół artysta stosuje od trzech do czterech warstw pastelu, lekko spryskując drugą warstwę utrwalaczem, aby wepchnąć pastel w ziemię. Ponieważ utrwalacz ma tendencję do zatracania kolorów, maluje obraz tylko raz. Nie waha się wtopić w swoje palce - cieszy się bezpośredniością i kontrolą - i robi wiele rozmazań i zmiękczeń krawędzi. „Zbyt wiele konkurujących ze sobą ostrych krawędzi sprawia, że obraz wygląda na przepracowany” - wyjaśnia.
Źródło: A Disciplined Approach to Pastel autorstwa Linda Price.
Od frustracji do przebaczenia: Pastelowe lekcje jednego artysty
W swoim pastelowym obrazie Ścieżka z drzewami do ukrytego stawu Marlene Wiedenbaum prezentuje olśniewający widok na polanę, której bogaty baldachim otacza leśną podłogę zakrytą gęstym dywanem opadłych liści. Filtrowane światło słoneczne i otaczająca przestrzeń obrazu są tak naturalne i przekonujące, że odkrycie śladu ścieżki przez las zajmuje nam kilka chwil. Wydaje się, że artystka jest zadowolona ze znalezienia świata, który go znalazł, a następnie wydobycia go dla ukrytych bogactw i intrygujących spostrzeżeń. Osiągnęła to uczucie poprzez mistrzowskie użycie pastelu, pracując na wielu warstwach, aby stworzyć kolor o zaskakującej subtelności i niuansie, utrzymując przy tym swoją powierzchnię wyjątkowo dotykową i żywą.
„Uwielbiam bezpośredniość, kolor i wybaczenie pastelowe” - mówi Wiedenbaum - „ale szczególnie podoba mi się zaangażowanie moich rąk. Rozumiem i kontroluję palce znacznie lepiej niż kiedykolwiek robiłem pędzel, a praca jest bardziej bezpośrednia.”Wiedenbaum kilka lat temu zmienił pastel na olejny. „Byłem sfrustrowany koniecznością czyszczenia pędzli, a także siebie i konieczności odkładania wszystkiego za każdym razem, gdy chciałem malować” - wspomina. „To była harówka. Nie miałem wtedy luksusu wielkich bloków czasu, a stan pracy jest inny za każdym razem, gdy wracasz do obrazu olejnego. Bardzo dobry przyjaciel zostawił pudełko pasteli na stole w jadalni i wtedy zaczęły się moje relacje z pastelami.”Artystce podoba się także przenośność pastelu. „O wiele łatwiej spontanicznie spakować zapasy do pracy na świeżym powietrzu” - mówi.
Podobnie jak większość innych pastelowych artystów, Wiedenbaum również napotkał trudności nałożone przez medium. „Największą wadą jest pył” - mówi. „Czasami noszę maskę w studio, ale nie wiem, jak bardzo to pomaga”. Artystce udaje się też nie dopuścić do zetknięcia się z pastelowym kurzem, nosząc łóżeczka na palce - małe gumowe rękawy, które można zwinąć na pojedyncze palce - dostępne w drogeriach.