Zaangażowany we własną wersję podróży w czasie David Ligare, z wyznaniem obsesji na punkcie starożytnej kultury grecko-rzymskiej, tworzy swoje wykwintne obrazy w poszukiwaniu pierwotnej jedności. Przeczytaj dołączone demo krok po kroku tutaj.
„Literate Landscapes” Richarda Stulla po raz pierwszy pojawił się w magazynie artysty (maj 2013). Subskrybuj 10 pełnych wydań instrukcji, wywiadów, recenzji produktów i nie tylko!
Wszystkie zdjęcia w tym artykule © David Kingsbury; zdjęcia dzięki uprzejmości Hirschl & Adler Modern, Nowy Jork
Obrazy Davida Ligarego dzielą się mniej więcej na trzy kategorie: narracja historyczna, pejzaż i martwa natura. Te kategorie są przydatne do pewnego stopnia; zaczynają jednak dopiero informować widza o impulsach, zainteresowaniach i głębszym celu każdego obrazu. I jest cel, taki, który informuje obrazy Ligarego, jego pisma o nich oraz spore ilości tego, o czym myśli i mówi.
Ligare z pewnością zgodziłby się z tym, że pewne zrozumienie jego celu lub, jak to określa, jego „projektu”, może jedynie zwiększyć uznanie dla jego pracy. I tak powinno być, przynajmniej z artystami pewnego rodzaju.
Aby czytelnik nie zaczął wzdrygać się w tym momencie, należy wyjaśnić, że projekt Ligare nie jest prozelityzmu. Jest to raczej program, który stworzył dla siebie lata temu, który nakreślił w swoim eseju „O oryginalności”: „Kiedy rozpocząłem projekt tworzenia historycznych obrazów narracyjnych ponad 30 lat temu, zaakceptowałem, że istnieje ogromna różnorodność we współczesnym tworzeniu sztuki i że praktycznie wszystko można teraz uznać za sztukę. Postanowiłem, że po prostu odłożę tę książkę bez zarzutu i zrobię coś, czego nikt - lub prawie nikt - nie robił inaczej, to znaczy stworzy narracyjne obrazy oparte na kulturze grecko-rzymskiej… Chciałem przede wszystkim szukać dla centrum lub źródła sztuki zachodniej”.
To dość trudne przedsięwzięcie, ale Ligare, które ma teraz 30 lat, nie uciekło. Oczywiście każdy, kto lubi różne permutacje sztuki konceptualnej XX wieku, będzie pociągał takie świadome intelektualne podstawy. Ci, którzy opierają się takiemu podejściu, muszą przynajmniej przyznać, że decyzja Ligare'a koniecznie dostosowuje reakcję na jego sztukę.
Początki rzutu draperii
Jak i kiedy zaczął się ten projekt? Według Ligarego, jego początki sięgają połowy lat 70. XX wieku, kiedy artysta wykonał serię zdjęć białej tkaniny, którą przyjaciel wielokrotnie rzucał w powietrze wzdłuż wybrzeża Kalifornii. Ligare wykorzystał następnie zdjęcia jako podstawę serii, którą nazwał obrazami Rzuconej Draperii. Każde dzieło nosi nazwę greckiej wyspy i milcząco nawiązuje do starożytnych rzeźb, które niegdyś były rozrzucone po greckim krajobrazie, których głowy i ramiona zostały strącone przez wandali lub zestrzelone przez żołnierzy, którzy używali ich jako praktyki celowej. Słowo Draperia w tytułach odnosi się do rzeźbionej draperii zniszczonych i zdewastowanych posągów. (Zobacz Symi, [Thrown Drapery].)
Kontemplując obrazy, Ligare miał coś w rodzaju objawienia: dlaczego nie wyjaśnić ani nie rozwinąć idei stojącej za obrazami? Owocem tej decyzji są jego historyczne opowiadania.
Historyczne narracje
Ligare swobodnie wyraża swoją miłość do sztuki Nicolasa Poussina. Nie jest to nigdzie bardziej widoczne niż w dwóch obrazach Achilles i Ciało Patroklosa i Herkulesa, chroniące równowagę między przyjemnością a cnotą. Oba wykazują wyrazistość kompozycji, liniowy podział tła, skomplikowane napięcie między postaciami, precyzyjne modelowanie postaci, dziwnie kontrastującą miękkość otaczającego krajobrazu oraz kolorystykę, którą kojarzy się z XVII-wiecznym francuskim mistrzem.
Gdy Ligare decyduje się na konkretny temat lub temat do obrazu, wykonuje szereg małych rysunków. Robi też zdjęcia różnych elementów, które wykorzysta w obrazie. Mogą to być krajobrazy, pojedyncze obiekty w krajobrazie oraz postacie / modele ludzkie.
Ligare często prowadzi sesje zdjęciowe z modelkami wzdłuż wybrzeża Pacyfiku późnym popołudniem. Światło i kąt słońca pozwalają mu uchwycić dramatyczny kontrast między światłem a cieniem. Korzystanie ze zdjęć pomaga Ligare stworzyć wyrazistą, nowoczesną wyrazistość, której pragnie, którą woli od Rembrandta lub naturalnej kolorystyki.
Po zebraniu materiału referencyjnego następnym krokiem jest wykonanie małego badania, zwykle w oleju na drewnianym panelu. Następnie Ligare rozpoczyna swój wstępny rysunek na podwójnie zagruntowanym olejem płótnie lnianym. W swoich początkowych rysunkach używa węgla drzewnego ze względu na łatwość, z jaką można go zmienić lub poprawić. Po zadowoleniu z rysowania węglem drzewnym Ligare przechodzi ołówkiem po liniach, a następnie wyciera węgiel drzewny. Czas malować.
Chociaż Ligare kiedyś zrobił pełne tonalne malowanie w tym momencie, od tego czasu zrezygnował z tej praktyki. Zamiast tego zaczyna wypełniać kompozycję, obszar roboczy po obszarze, zwykle zaczynając od ciemnej masy, takiej jak kępa drzew lub ukształtowanie terenu w głębokim cieniu. Po ukończeniu wszystkich elementów zaczyna, jak to określa, „edycję” - dostosowanie odcienia i wartości.
Krajobrazy
Angielski malarz John Constable powiedział kiedyś o krajobrazach Claude'a Lorrain'a: „Wszystko jest udogodnieniem i odpoczynkiem”. Z pewnością wiele podobnych twierdzeń można wysunąć w odniesieniu do wielu krajobrazów Ligare. Skąpane w spektakularnym świetle słonecznym wzgórza Krajobrazu z Czerwonym Kucykiem rozchodzą się spokojnie do oceanu, spokojna horyzontalna obecność w oddali. Podobny, niemal bez tchu świat pasterski jest przedstawiony w szerokim krajobrazie z rzeką oraz w krajobrazie georgiańskim. Nie widać centrum handlowego ani parkingu.
Trudno powiedzieć wystarczająco dużo o świetle w tych pejzażach, a właściwie we wszystkich obrazach Ligare. Znakomity i bezbłędny, kąpie wszystko na swojej drodze podczas zabawy z cieniami. Kontemplowanie tego światła jest jedną z największych przyjemności oglądania dzieła Ligare.
The Aparchai
Ligare nazywa serię najnowszych martwych obrazów Aparchai, greckie określenie, które z grubsza oznacza „początki zaczerpnięte z całości”. Zdjęcia obrazów i podtytuły, które dzielą, są wynikiem dochodzenia przeprowadzonego kilka lat temu przez Ligare w sprawie obrazów martwej natury znaleziony w rzymskich ruinach Pompei i Herkulanum. Wśród tych obrazów jest wiele przedstawiających potrawy, które gospodarze prawdopodobnie przypuszczają gospodarzom. Są one powszechnie określane jako ksenia. Ale inne obrazy zdawały się nie przedstawiać przedmiotów, które łaskawy gospodarz dałby gościowi na posiłek.
Po przestudiowaniu greckich praktyk religijnych Ligare zaczął wierzyć, że przedmioty na tych innych obrazach reprezentują symboliczne, rytualne ofiary dla bogów. Najwyraźniej starożytni składali ofiary swoim bogom pierwszą żywność (aparchai), która została zdobyta przez polowanie, łowienie ryb, zbieranie lub hodowlę. Oferty te mogły obejmować trzonki pszenicy, niedojrzałe brzoskwinie i tym podobne. Ligare uważa, że obrazy takich przedmiotów mogły być wystawiane w domach, aby wyrazić pobożność właścicieli.
Rytualny cel starożytnych modeli może wyjaśniać regularność kompozycji i wielkości w martwych naturach Ligare. W tych obrazach działa również zainteresowanie Ligare równowagą przeciwieństw, o czym świadczy gra przedmiotu i cienia, a także kontrast bliskiego pierwszego planu i obiektów z ekstremalną odległością w tle. (Zobacz Martwa natura z oliwkami i pszenicą [Aparchai] oraz Martwa natura ze śliwkami i szczygieł [Aparchai].)
Obrazy te, podobnie jak narracje historyczne i krajobrazy, stanowią kolejny znaczący fragment złożonej eksploracji starożytności grecko-rzymskiej przez Davida Ligarego, czas, który jego zdaniem ma ogromne znaczenie dla naszego. Jego zanurzenie w tej odległej przeszłości jest sposobem jasnego widzenia i rozumienia teraźniejszości.
Materiały i narzędzia
David Ligare
Powierzchnia: płótno lniane Fredrix podwójnie zagruntowane olejem na wytrzymałych drążkach Craft-Cut Products
Farba: oleje Winsor i Newton
Medium: Winsor & Newton Liquin (do malowania, poprawiania i szkliwienia)
Pędzle: płaskie i okrągłe szczeciny Princeton Art & Brush Co. dla większych obszarów koloru; Szczotki Winsor & Newton Scepter Gold II we wszystkich kształtach dla lepszej pracy - Używam pędzli do miksowania do mieszania obszarów gradacji, takich jak niebo, oraz małych, głównie szczotek dłutowych w celu uzyskania szczegółów. Na studiach nauczyłem się codziennie myć pędzle mydłem i wodą po ich dokładnym umyciu terpentyną lub rozcieńczalnikiem do farb. Dzięki temu moje pędzle są precyzyjne i przydatne, a przez lata zaoszczędziłem tysiące dolarów.
Fotografie: Używam fotografii (slajdów) do prawie wszystkich moich obrazów, ponieważ pozwalają mi uchwycić światło późnego popołudnia, ale nie zalecam, aby uczniowie używali fotografii, dopóki nie będą w stanie idealnie narysować bez nich. Umiejętności rysowania pomagają również malarzom zrozumieć, jak tworzyć fotografie zawierające dokładne potrzebne informacje.
Podczas malowania przyklejam szkiełko do lupy, którą następnie zawieszam na sznurku na szyi. Ciągle odnoszę się do szkiełka trzymanego pod światło. To kolejna najlepsza rzecz, aby mieć konfigurację przede mną.