Tworzenie sztuki na zlecenie może być świetnym sposobem na uzupełnienie dochodów i, jeśli wszystko pójdzie dobrze, rozwijanie relacji na całe życie z kolekcjonerami sztuki. Jednak proces ten należy rozpatrywać z rozwagą, ponieważ istnieje wiele potencjalnych pułapek.
Najważniejsze z tych wpadek to słaba komunikacja i nierealne oczekiwania zarówno artysty, jak i klienta. W końcu jest to w zasadzie transakcja biznesowa, a nie szansa na swobodną kreatywność.
Aby odnieść sukces, oto pięć zasad, o których należy pamiętać przy rozpatrywaniu każdego zlecenia na zlecenie.
5 zasadniczych wytycznych dla komisji sukcesu w sztuce
1. Połącz się z tematem
Ważne jest, aby mieć silny związek z tym tematem. Z doświadczenia dowiedziałem się, że jeśli moje serce nie pracuje, to prawdopodobnie nie wyjdzie dobrze.
Mam dość szeroki zakres zainteresowań artystycznych, ale jeśli temat nie wywoła iskier, odmówię.
2. Powiedz „Nie” zdjęciom stron trzecich
Nie maluję na podstawie odniesień do zdjęć dostarczonych przez innych. Jeśli osobiście nie widziałem tematu, nie mogę go twórczo interpretować.
3. Komunikacja jest kluczem
Pomiędzy klientem a tobą musi być dobra komunikacja. Wyjaśnij szczegółowo, co będziesz robić, w jakiej kolejności i do jakiej daty.
Klient dokładnie wie, ile będzie kosztował projekt i kiedy pieniądze będą należne.
4. Utwórz makiety programu Photoshop
Aby upewnić się, że wszyscy zgadzamy się co do tematu, rodzaju zdjęć i medium ostatecznej sztuki, zwykle tworzę trzy makiety potencjalnych kompozycji w kolorze, w akwareli lub w Photoshopie. Aby zbudować zaufanie, robię to bezpłatnie.
Photoshop jest niezwykle przydatny do makiet, ponieważ można odmalować, przeprojektować, ponownie skomponować, a nawet teksturować obraz, dzięki czemu jest to rozsądna kopia fakultatywna dla ostatecznego obrazu.
Zalecam poproszenie klienta o podpisanie się na jednym ze zdjęć przed kontynuowaniem projektu. Jeśli w tym momencie klient nie może się zgodzić na jeden, spróbuj utworzyć jeszcze jeden lub dwa - jeśli on lub ona mogą sprecyzować swoje obawy i jeśli projekt jest wystarczająco duży.
5. Zwiększyć cenę
Nie biorę udziału w negocjacjach cenowych. Moje rozmiary i ceny są publikowane na mojej stronie internetowej.
Jeśli chodzi o ceny, można argumentować, że prace niestandardowe powinny mieć wyższą cenę, ponieważ jest to zakłócenie normalnego przepływu pracy artysty. W rzeczywistości niektórzy artyści pobierają za to więcej.
Pod koniec dnia artysta też musi być szczęśliwy! Czytaj dalej, aby dowiedzieć się, jak skompletować mój udany utwór zatytułowany Meadow Light.
Od koncepcji do Komisji, krok po kroku
W przypadku tej niestandardowej grafiki mój klient z Kalifornii, były mieszkaniec Kansas, chciał czegoś, co przypomniałoby jej lasy i łąki, w których dorastała i którą kochała jako dziecko.
Stworzyłem trzy małe akwarele dla tej 30-x 40-calowej prowizji olejowej opartej na świetle porannego światła płynącego przez wysokie drzewa otaczające moją łąkę. Jeśli starannie przygotowuję się do pracy, zawsze przedstawiam klientowi trzy solidne opcje do wyboru.
Praca w trójkach daje klientom wystarczająco dużo możliwości wyboru, że zwykle wybierają jeden bez poczucia, że muszą zobaczyć więcej. Podobnie, oferowanie klientom kilku dobrych opcji jest również świetną strategią rozwoju przyszłej pracy.
W przypadku Meadow Light moja klientka była bardzo zadowolona z ostatecznego malowania (wykorzystującego drugą z trzech oryginalnych opcji), w końcu zamówiła również pozostałe dwa! Działo się to wiele razy na przestrzeni lat.
Materiały
Nigdy nie skracam się za pomocą materiałów podczas pracy w komisji artystycznej - bez względu na moje osobiste dążenie do oszczędności w mojej osobistej pracy w studio. Kiedy przychodzi czas na wykonanie dzieła sztuki dla klienta, ma on prawo oczekiwać tego, co najlepsze.
Kupuję najwyższej jakości ciężkie sztangi. Jeśli obraz ma ponad 48 cali w dowolnym wymiarze, wybieram najlepsze pręty kompozytowe aluminiowo-drewniane Pro-Bar. Nigdy się nie wypaczą ani nie zginą. Nad noszami używam najwyższej jakości ciężkiej bielizny lnianej na bazie oleju. (Sprawdź ten artykuł z naszego bloga na temat rozciągania zagruntowanego płótna)
Tonalne blokowanie
Kiedy jestem zadowolony, że mam odpowiednio wyprostowane i rozciągnięte podłoże do malowania, rysuję kompozycję za pomocą przezroczystego tlenku brązu rozcieńczonego odrobiną mineralnych alkoholi i medium malarskiego.
W tym temacie postanowiłem pomalować tonalną blokadę. Jest to technika Starego Mistrza, w której cały obraz jest wykonywany w jednym lub dwóch kolorach, z poprawnymi wartościami i dokładnymi sugestiami tekstur.
Użyłem tej techniki ze względu na ekstremalne efekty świetlne, które próbowałem przedstawić. Ponieważ malarstwo olejne jest procesem odejmującym - w przeciwieństwie do prawdziwego światła, które jest addytywne - najjaśniejsze światło, które mogę symulować, wychodzi bezpośrednio z tubki bieli tytanowej.
Wszystkie inne wartości muszą być podporządkowane tej rzeczywistości. Po uzyskaniu tego efektu bezpośrednio przy tonalnym blokowaniu musiałem tylko dopasować ustalone już wartości do następującego po nim kolorowego malowania i szkliwienia.
Mieszanie kolorów
Wolę mieszać kolor w struny, od jasnego do ciemnego, często od ciepłego do chłodnego. Zapewnia to harmonię kolorów i daje mi największą różnorodność temperatur, odcieni i wartości do wyboru w miarę postępów procesu.
Co najważniejsze, kiedy te kolory zostaną starannie wymieszane, nie muszę przestać mieszać świeżej farby i nie mam ochoty dodawać nowego, nieharmonijnego koloru do mieszanki.
Zdjęcia powyżej pokazują dwie mieszanki, które stworzyłem, aby pokryć wszystkie zielenie potrzebne do tego zamówionego malowania. W pierwszej mieszance użyłem cytryny kadmowej zmieszanej z sokiem zielonym.
W drugiej mieszance zastosowałem żółty kadm zmieszany z błękitem ultramarynowym. To dało mi szeroką gamę ciepłych chłodów i chłodnych ciepła do pracy.
Stosowanie koloru
Używając dużych, płaskich szczotek ze szczeciny, układałem kolorowe kolory w dużych masach, uważając, aby od samego początku poprawnie dopasować wartości mojego zablokowania. Robiąc to, praca przebiega szybko i mogę nawet sugerować krawędzie, przesuwając się wzdłuż kompozycji.
Jestem fanem pentimento. Jak widać na powyższym obrazku, pozostawiam tyle niedorzeczności, ile się da. Małe plamki ciepłych, czerwono-brązowych tonów wibrują w połączeniu z żywymi zieleniami.
Działające tło do pierwszego planu, od chłodnego do ciepłego, ma sens, aby zwiększyć przestrzenną głębię i ton.
Na tym etapie nie zajmowałem się szczegółami, ale masą kolorów i nastrojem. Korzystając z 1-calowych i 3/4-calowych płaskich szczecin i filbertów, zasugerowałem strumieniowe wiązki światła w tle, aby zobaczyć, jak poradzić sobie z tymi funkcjami.
Po zasugerowaniu strumieni światła zdałem sobie sprawę, że efekty te należy przerobić na mokrą farbę. Moje podejście polegało na tym, aby używać szczeciny wieprzowej tak długo, jak to możliwe, przełączając się tylko na szable dla ostatecznego dotknięcia i zmiękczenia krawędzi.
Moim zdaniem dobrą praktyką jest szlifowanie dzieła sztuki od środka ogniska, na zewnątrz. Tak naturalnie widzimy.
Jeśli punkt centralny zostanie dobrze rozwiązany, wówczas obrzeże obrazu może być znacznie mniej szczegółowe, nawet z efektem miękkiego ogniskowania i nadal działać pięknie.
Dodawanie ostatnich zmian
W ostatnim etapie przeprowadzono udoskonalenia krawędzi, dokonano wszelkich korekt wartości oraz dodano, usunięto lub dopracowano szczegóły. W tym momencie pracowałem najbardziej nieprzejrzysto, stosując fragmenty impasto dla najjaśniejszych świateł.
Jak wspomniano, wolę pracować mokro na mokro, aby tworzyć tekstury. Jeśli obszar już wyschł, przemaluję go, aby osiągnąć wymagany efekt. Może to zabrzmieć jako dodatkowa praca - i niezbyt zabawna - ale malowanie w ten sposób jest o wiele mniej wysiłku niż próbowanie pracy nad upartą, schnącą farbą.
W tym momencie chcemy, aby nasze powierzchnie lakiernicze stopiły się jako jedna i pracowały razem. Chcemy, aby nasze pędzle wyglądały świeżo i płynnie, jakby obraz powstał w całości w ciągu godziny - alla prima.
The Hand Off
Praca na osi czasu może wymagać, aby obraz był zarówno suchy, jak i lakierowany, zanim będzie możliwa dostawa i otrzymanie płatności końcowej - co należy rozważyć przed rozpoczęciem.
W tym celu użyję szybkoschnącego medium, aby przyspieszyć proces. Wolę linię mediów Gamblin, a Neo Megilp jest moim codziennym medium, ponieważ pozwala na dużo czasu pracy, ale nadal stosunkowo szybko schnie.
Jeśli będę musiał pracować szybciej, przestawię się na pożywkę Galklin Galkyd na nocne suszenie. Galkyd jest produktem mniej lepkim, dlatego należy go stosować inaczej niż żel Neo Megilp.
Eksperymentuj z każdym z nich, aby zrozumieć różne właściwości. Oczywiście, jeśli warstwy farby są grube, potrzeba więcej czasu na wyschnięcie, zanim będzie można nałożyć lakier.
O ile nie będę miał luksusu przez dłuższy czas, generalnie nałożę cienką warstwę lakieru retuszowego na świeżo suchy w dotyku obraz, aby przywrócić połysk i jasność przed wysłaniem. W tym celu doradzę klientowi i zalecę, aby on lub ona lokalny profesjonalista nałożył ostatni lakier za około sześć miesięcy.
Jeśli chodzi o pracę z naprawdę dobrym, wieloletnim klientem, możesz zainwestować w wycieczkę do jego lokalizacji i samodzielnie nałożyć lakier. Jest to świetny sposób na utrwalenie relacji i generalnie prowadzi do zwiększenia prowizji lub całkowitej sprzedaży lakieru.
