Malowanie martwej natury
Gatunek malarstwa martwej natury jest tak różnorodny, jak jego historia jest długa. Od czasów Egipcjan, kiedy na ścianach grobowca były przedstawiane obrazy żywności i kosztowności, mozaiki podłogowe i malowidła ścienne Pompei, dzieła sztuki z okresu Wysokiego Renesansu, aż po współczesne malarstwo martwej natury, gatunek ten zawsze był miejscem, do którego zwracają się artyści znowu i znowu.
Przedmioty, do których przyciągają malarze martwych natury, są równie różnorodne, od przedmiotów ze świata przyrody po przedmioty wykonane ludzkimi rękami. Dzięki nim kompozycje sztuki martwej wyrażają idee dotyczące luksusu i nadmiaru, symboliki religijnej, osobistych i alegorycznych poszukiwań oraz uniwersalnych ludzkich refleksji na temat życia i śmierci.
Praktyka plastyczna martwej natury jest tym, do czego artyści zobowiązali się przez stulecia, ponieważ wszystkie podstawowe elementy sztuki można badać, w tym kolor, formę, kompozycję i światło. Artyści mogą spojrzeć na ten wyjątkowy gatunek, szukając odpowiedzi, które malarze na zawsze próbują znaleźć.
Zdobądź bezpłatny eBook z technikami malowania martwej natury! DARMOWE i wyłącznie dla subskrybentów eNewsletter Artist Daily. Wpisz swój adres e-mail w polu poniżej, aby otrzymać bezpłatny eBook oraz e-biuletyny na temat porad dotyczących malowania martwych natur i nie tylko
[fw-capture-inline campaign =”RCLP-potwierdzenie-martwa natura-malowanie” dzięki = „Dzięki za pobranie!” zainteresowania =”Sztuka” oferta =”/ wp-content / uploads / pdfs / StillLifeUpdate.pdf”]
Demo Malarstwo olejne Martwa natura
Ismael Checo wykorzystuje bogatą kolorystykę, aby stworzyć egzotyczne i intensywne doznanie świata. Prezentujemy tutaj ekskluzywną demonstrację malarstwa martwej natury jako przykład jego techniki malowania olejnego.
Materiały Checo
Paleta
Farby olejne różnych producentów, w tym Holbein, Winsor & Newton i Gamblin
Szczotki
Szczotki z włosia i soboli różnych producentów
Wsparcie
Przeważnie płótno zagruntowane ołowiem, a czasami panel wykonany z płyty MDF zagruntowanej akrylowym gesso od Liquitex
Średni
Mieszanina olejku z terpentyny z gumy
Lakier
Jako ostateczny lakier, syntetyczny lakier Rembrandt od Talens
Krok 1 Artysta zaczyna od rysowania z mydłem wykonanym z ultramarynowego błękitu, spalonej siennej i płatkowej bieli. Cienie są spłukiwane, aby stworzyć prosty rendering uosobienie obiektu w najprostsze i najczystsze kształty. |
|||
Krok 2 Za pomocą pędzla z włosia artysta nakłada kolory szerokimi pociągnięciami, aby ustalić główne relacje w kompozycji. |
|||
Krok 3 Pracując powoli i zwracając szczególną uwagę na wrażenie kolorów w każdym punkcie obrazu, artysta tworzy proste, wyraźne stwierdzenia mieszając i umieszczając jeden kolor na raz. Artysta jest skłonny nieco przesadzić nasycenie koloru ze świadomością, że będzie mógł później wrócić i dodać szarość w razie potrzeby. Mimo, że artysta robi trochę mieszania i szorowania pędzlem, jest ostrożny, aby nie przepracować obrazu. |
|||
Krok 4 W niektórych przypadkach pod koniec obrazu artysta zmieni się w pędzel sobolowy, aby osiągnąć delikatniejszą i lepiej oddaną gotową pracę. The Completed Painting: Still-life Demonstration 2003, 10 x 15½. Kolekcja artysty. |
Wyznaczanie standardu sztuki martwej natury
Holenderskie malarstwo martwej natury wyznaczyło standardy dla wirtuozerii nie z tego świata w XVII wieku i nigdy nie przejdę przez niezwykłą mieszankę przedmiotów, które ci artyści wybrali do przedstawienia: wszelkiego rodzaju potraw, polerowanego srebra i lśniącego szkła, haftowane i ciężko obrobione obrusy oraz mnóstwo kwiatów.
Czasem zapominam o tym, jak symboliczne były te wszystkie obiekty dla publiczności, która miała okazję je obejrzeć wszystkie lata temu. Warto również zauważyć, że artyści często celowo wybierali przedmioty, które mogą stanowić wyzwanie do malowania jako sposób na pokazanie swoich umiejętności malarskich.
Cała ta symbolika i chęć popisywania się zaowocowały powstaniem wielu obrazów, które wyglądają ponad szczytem i są trochę nierealne. Weźmy na przykład malowanie kwiatów martwej natury. Malowanie kwiatów było popularnym tematem w złotym wieku malarstwa holenderskiego. Symbolicznie artyści i widzowie byli zainteresowani naturą istnienia kwiatu - od świeżo ściętego i kwitnącego po więdnięcie i umieranie - z powodu dorozumianej „moralnej” lekcji stojącej za dziełem, a mianowicie, że życie jest ulotne, a śmierć, pewność.
Ale świeże kwiaty na obrazie były również znakiem najwyższego luksusu. W XVII wieku bukiet kwiatów był niespotykany nawet w najbogatszych domach. W rzeczywistości w większości holenderskich domów kwiaty nie były wyświetlane w sposób, do którego jesteśmy przyzwyczajeni. Zamiast tego kwiaty były prezentowane jeden po drugim w małych wazonach lub uchwytach na tulipany zaprojektowane specjalnie do przechowywania stosunkowo niewielu kwiatów.
Zdobądź bezpłatny eBook z technikami malowania martwej natury! DARMOWE i wyłącznie dla subskrybentów eNewsletter Artist Daily. Wpisz swój adres e-mail w polu poniżej, aby otrzymać bezpłatny eBook oraz e-biuletyny na temat porad dotyczących malowania martwych natur i nie tylko
[fw-capture-inline campaign =”RCLP-potwierdzenie-martwa natura-malowanie” dzięki = „Dzięki za pobranie!” zainteresowania =”Sztuka” oferta =”/ wp-content / uploads / pdfs / StillLifeUpdate.pdf”]
Tworząc ten rodzaj ostentacyjnego malarstwa kwiatowego, który przedstawiał niesamowite bukiety, których większość widzów nigdy nie miała nadziei zobaczyć osobiście lub mieć w swoich domach, artyści osiągnęli dwie rzeczy: po pierwsze, wskazując na sztuczność takich pokazów jako przypomnienie tego życia nie chodzi tylko o luksus, a przechowywanie takich rzeczy to marnotrawstwo. Ale obalali też to przesłanie - przede wszystkim pokazując tak piękne bukiety, bardzo pokusili widzów, by kupili obraz, w gruncie rzeczy przekazując ideę, że nie można mieć takich luksusów w prawdziwym życiu, ale ten obraz da im tobie i kwiaty na tym obrazie nigdy nie umrą.
Dla nas, aby realizować tradycję holenderskiego malarstwa i być częścią tego wciągającego i fascynującego gatunku życia stii, naprawdę rozumiemy motywację sztuki i techniczne wykonanie, które zajęło jej dotarcie do tych niesamowitych prac końcowych i prace nad malarstwem Fundacja musimy mieć własne artystyczne złote wieki.
Punkty kontaktowe podczas malowania martwych natur
Decyzja o tym, gdzie umieścić elementy w obrazie, może być trudna, ale decyzje są kluczowe dla stworzenia udanej martwej natury. Kiedy kompozycja jest dobrze wykonana, może pozostać niezauważona; jednak źle skomponowany utwór natychmiast rzuca się w oczy widza jako niezręczny. Celem kompozycji martwej natury jest skierowanie oka widza przez obraz i poprowadzenie go w kierunku tego, co artysta uważa za ważne. Chociaż nie ma jednego właściwego sposobu, aby to zrobić, istnieją specjalne urządzenia, które można zastosować, aby przyciągnąć uwagę widza do interesującego go miejsca, a także stworzyć iluzję obiektów istniejących w namacalnej przestrzeni.
Wielu początkujących malarzy zwykle poświęca swoją energię na dokładne rysowanie i malowanie obiektów i trudno jest stworzyć silną kompozycję. „Łatwo jest ogarnąć wszystkie możliwości”, mówi instruktor-artysta James Sulkowski, który prowadzi warsztaty plenerowe, aby pomóc uczniom przezwyciężyć lęk przed podejmowaniem decyzji. Niektórzy instruktorzy artystów sugerują używanie wizjera, który wielu artystów stosuje w obliczu dużej sceny. Wizjer można kupić w dowolnym sklepie z artykułami artystycznymi lub zrobić prosty z tektury. Niezależnie od materiału służy on temu samemu celowi: wizjer pozwala artyście izolować kluczowe elementy sceny, a także przeglądać wiele kompozycji, zanim zabierze się do pisania.
W obliczu dużej sceny pomocne jest zadanie kilku pytań. Dlaczego chcę pomalować tę scenę? Co mnie początkowo pociągało? Jakie treści są potrzebne, aby przyciągnąć widza i sprawić, by poczuł to, co ja? Po udzieleniu odpowiedzi na te pytania staje się jasne, że dana scena nie jest osadzona w kamieniu. Artysta może zmieniać scenę, aby dopasować ją do emocji lub przesłania, które chce przekazać widzowi. Portret martwej natury ma pobudzić wyobraźnię i pobudzić zmysły; powinien to być obraz, który błaga o pomalowanie lub narysowanie. Jeśli określony obszar lub zdjęcie nie jest atrakcyjne, zmień lokalizacje lub wybierz alternatywne tematy. Lub można mocno przyciąć scenę i skupić się na drobnych szczegółach, które często pozostają niezauważone w dużej scenie.
Sułkowski zaleca uczniom określenie punktu centralnego przed nałożeniem pędzla na płótno. „Bez względu na okoliczności artysta musi zidentyfikować punkt centralny swojego malarstwa, a następnie ustrukturyzować proces malowania, aby widz natychmiast zrozumiał centrum zainteresowania. Podczas malowania w plenerze bardzo ważne jest, aby pamiętać o tym skupieniu, aby czas i energia nie zostały zmarnowane na opracowanie obszarów płótna, które mają drugorzędne znaczenie.”To samo dotyczy malowania martwej natury.
Gayle Levée, instruktorka i artystka z Nashville, spędza godziny warsztatowe, układając elementy, aby stworzyć najlepszą kompozycję. Radzi, aby początkowo zgromadzić więcej przedmiotów, niż sądzą, że będą potrzebować w swoich martwych dziełach, a następnie wybrać jeden jako punkt centralny. „Najpierw umieść ten obiekt, a następnie umieść wokół niego elementy podporowe” - sugeruje. Podczas malowania martwej natury Levée zaczyna od punktu centralnego i dokonuje pomiarów na płótnie proporcjonalnie do centrum zainteresowania.
W swoim obrazie „Refleksje w złocie” Levée stosuje zasadę trzeciej części, aby zwrócić uwagę widza na wazon i owoce (zobacz demonstrację dzieła). Jest to jedno z kilku urządzeń, które mogą przyciągnąć uwagę widza do centrum zainteresowania. Ta zasada stosowana w malarstwie i fotografii ma na celu uzyskanie bardziej estetycznej kompozycji. Zaleca się, aby artyści podzielili płótno na trzy sekcje zarówno w poziomie, jak i w pionie, i umieścili środek zainteresowania w punkcie przecięcia lub w górnej lub dolnej trzeciej części ramy. W ten sposób punkt centralny zostaje wyjęty z „martwego środka” płótna, a oko widza jest prowadzone przez całą przestrzeń. Po ustaleniu punktu centralnego określenie emocji lub przekazu, które przywoła, pomoże zdecydować, które z wyżej wymienionych narzędzi najskuteczniej opowiedzą przejrzystą i sugestywną historię wizualną.
Prawdziwa cisza w martwym życiu
Sarah Siltala maluje przede wszystkim martwe natury i krajobrazy, chociaż czasami rysuje postacie na węglu drzewnym, aby doskonalić swoje umiejętności rysunkowe. „Inspiruje mnie natura i jej obfite dary, niezależnie od tego, czy są to owoce, kwiaty, chmury, drzewa czy ptaki” - mówi. „Widzenie piękna wszędzie inspiruje mnie do malowania”. Nie jest to zaskakujące, biorąc pod uwagę, że artysta dorastał otoczony malowniczym krajobrazem Nowego Meksyku, który od dziesięcioleci przyciąga plenerowych artystów z całego świata. Czasami inspiracja uderza ją natychmiast, a innym razem musi przemyśleć jakiś temat, zanim zostanie poruszona, aby go namalować.
Siltala często zwraca się do swojego szkicownika, w którym przechowuje różne rysunki, pomysły i obrazy, które ją inspirują podczas przygotowań do malowania. Sporo czasu spędza na określaniu składu swoich martwych obrazów, starając się stworzyć w jej twórczości poczucie spokoju i spokoju. „Nie pociągają mnie zapracowane kompozycje” - mówi. „Zamiast tego koncentruję się na jednym lub dwóch głównych pomysłach. Podczas ustawiania martwych natur układam i zazwyczaj usuwam obiekty, aby na pewno uchwycić optymalne światło i cień w ostatecznym obrazie.”Kiedy jest zadowolona z aranżacji martwej natury, robi kilka zdjęć swojej ostatecznej konfiguracji w celach informacyjnych w studiu. Często pracuje nad więcej niż jednym obrazem na raz, co sprawia, że niemożliwe jest ustawienie każdego martwego obrazu podczas całego procesu malowania.