S adie J. Valeri tworzy malarstwo olejne martwe natury z ograniczonej palety, zaczynając od przerażającego pomalowania. Uczy tego procesu na warsztatach i klasach w Atelier Sadie Valeri w San Francisco. Artykuł Michaela Lacoya po raz pierwszy ukazał się w październikowym wydaniu The Artist's Magazine.
Stworzenie oryginalnego obrazu martwej natury jest trudnym zadaniem. Gatunek ten jest ulubiony przez artystów od stuleci, w wyniku czego muzea i galerie są wypełnione obrazami kwiatów, owoców i innych już zbyt dobrze znanych przedmiotów. Odpowiedzią Sadie Valeri na to jest połączenie tradycyjnej tematyki - dzbany, muszli, butelek - ze współczesnym materiałem zwykle niepowiązanym ze sztuką piękną: papierem woskowym. „Przyciągnął mnie materiał, ponieważ mogłem skręcać i miażdżyć przezroczysty papier, aby stworzyć dynamiczne środowisko dla zbieranych przeze mnie zabytkowych butelek i dzbanów” - mówi. Valeri wyprodukowała serię prac z papierem woskowym, za co otrzymała imponujące uznanie krytyków. Jej obraz Bottle Collection (powyżej) zdobył pierwszą nagrodę w kategorii martwej natury w Międzynarodowym Salonie Art Renewal Center 2009–2010. Dla Valeri sukces był wynikiem starannych badań połączonych z kreatywnym podejściem do klasycznych metod.
Zostań artystą
Artystka, mieszkająca obecnie w San Francisco, gdzie prowadzi Atelier Sadie Valeri, dorastała poza Bostonem. Pamięta rysowanie obsesyjnie w dzieciństwie i słyszenie często zadawanego pytania kolegom w szkole (mówionym, jak mówi Valeri, ich grubymi akcentami z Nowej Anglii): „Ach, będziesz dorastać, gdy dorośniesz? „Zachęcony nauczycielką sztuki w szkole średniej i wsparciem rodziny Valeri poszła do Rhode Island School of Design (RISD), gdzie specjalizowała się w ilustracji.
Valeri wyróżniała się w RISD, ale po ukończeniu studiów nie była pewna swoich perspektyw. „Najbardziej przeszkadzało mi, gdy jako młody artysta porzuciłem szkołę plastyczną, pytanie o to, co malować. Możliwości są nieograniczone w erze postmodernistycznej i, szczerze mówiąc, byłem przytłoczony myślą, że mój wybór tematu musiał być szczególnie sprytny, aby zostać zauważonym.”Przez następne 10 lat Valeri pracował jako grafik i projektant stron internetowych własną sztukę, z wyjątkiem prac wykonywanych w grupach życiodajnych.
Ale odkrycie przez Valeri współczesnego klasycznego ruchu realistycznego zainspirowało ją do odkurzenia farb i pędzli. Brała udział w warsztatach z wieloma największymi nazwiskami w tej dziedzinie, w tym z Tedem Seth Jacobsem, Michaelem Grimaldi, Juliette Aristides oraz Timem Stotzem i Nicole Michelle Tully ze Studio Escalier we Francji. Nauczyła się także podstaw tradycyjnej flamandzkiej techniki malowania warstwowego od Kirstine Reiner. „Po intensywnym okresie warsztatów i ciągłym ćwiczeniu tego, czego się uczyłem, poczułem potrzebę stworzenia czegoś więcej niż studium, czegoś własnego”, mówi Valeri. Pracując poza domem, gdzie było mało miejsca, Valeri postanowiła skupić się na martwych naturach.
„Właśnie zorganizowałem rzeczy, które uznałem za wizualnie atrakcyjne. Nie zastanawiałem się, czy ktokolwiek będzie ich lubił.”Od tych początków narodziła się seria Wax Paper.
Cel: Uchwycenie światła i formy
-
„W rzadkich przypadkach umieściłem autoportret w dzbanku Silver Globe (olej, 16 × 20)”, mówi Valeri. „Widz może zobaczyć całe moje małe studio i rzucić okiem na doświadczenie malarza.
Podejście Valeriego do malowania jest proste. „Maluję realistyczne efekty świetlne wspierane przez analizę strukturalną formy” - mówi. Połączenie wrażliwości impresjonisty na kolor z wyczuciem inżyniera pozwala jej „odblokować piękno obiektów”, które maluje. Artystka dokonuje wizualnej analizy poprzez rysunek - jej ulubioną część procesu malowania - co pozwala jej „badać każdą formę, poddawać inżynierii wstecznej wszystkie kształty i analizować zachowanie światła”. Dodaje: „Lubię rozumieć, dlaczego zakrzywiony, pełen wdzięku uchwyt kubka lub dzbanka wygląda na wystarczająco mocny, aby uchwycić się nalewania, i nigdy nie wygląda miękko lub miękko.”Ta bliska obserwacja jest kluczem do przekonującego realizmu jej obrazów.
Skrupulatna konfiguracja i rysowanie
Przygotowanie to ważny pierwszy krok w procesie malowania martwej natury Valeri. „Ponieważ spędzę miesiąc lub dłużej, wpatrując się w ten temat, lubię być pewna, że uwielbiam go, zanim zacznę” - mówi. Układanie może trwać kilka dni, kiedy starannie układa i układa różne przedmioty w harmonijną, przyjemną wizualnie kompozycję. Przyciąga ją trudne i przyciągające wzrok powierzchnie, „od opalizującego wnętrza muszli po półprzezroczyste papiery skręcone w pokruszone spirale”.
Kiedy Valeri jest zadowolona ze swojej konfiguracji, poświęca kilka dni na opracowanie szczegółowego rysunku konturowego. „Przekonałam się” - mówi - „im bardziej dbam o rysunek, tym więcej czasu oszczędzam na późniejszych etapach malowania”. Pracując nad matowym Mylarem (wysokiej jakości kalka), Valeri nie robi martw się o zacienienie rysunku, zamiast tego skoncentruj się na kompozycji, proporcjach i strukturze.
Przenosi ukończony rysunek na zagruntowany panel z drewna, ale następnie poprawia linie, zmniejszając ich szerokość za pomocą (chowanej) gumki w kształcie długopisu. W ten sposób eliminuje to, co określa jako „martwą, prześledzoną jakość” linii. Na koniec Valeri uszczelnia rysunek na panelu warstwą lakieru damarskiego rozcieńczonego bezwonnymi spirytusami mineralnymi. „Chroni to rysunek”, mówi, „a także tworzy idealną powierzchnię do malowania: nie jest zbyt spragniona, nie jest zbyt śliska”.
Po zakończeniu rysowania i przygotowaniu wsparcia Valeri jest gotowa do malowania. Pracuje w naturalnym północnym świetle i zaczyna się od dwóch przerażających obrazów. Używając tylko spalonego umbry artystka określa podstawowe wartości swojej kompozycji, pozostawiając białe obszary panelu na jasne obszary obrazu; proces ten nazywa się „otwartym grisaille”. Następny etap - „zamknięty grisaille” - polega na utworzeniu ciągu sześciu lub siedmiu wartości, od czarnego do białego, zmieszanego ze spalonego umbra, ultramarynowego błękitu i niewielkiej ilości płatków białych. Używając tych mieszanin, Valeri maluje pełnowartościowy rendering swojego przedmiotu. „Często doprowadzam tę monochromatyczną wersję obrazu do wysokiego wykończenia za pomocą dwóch lub więcej warstw, używając małych pędzli.”
Nieprzezroczysty kolor o ograniczonej palecie
Artystka po ukończeniu swoich malowideł grisaille przechodzi w pełny kolor. Na tym etapie jej celem nie jest po prostu upiększenie grisaille kolorem, ponieważ „dałoby to jedynie wygląd zabarwionej czarno-białej fotografii”. Zamiast tego Valeri pracuje głównie z nieprzezroczystym kolorem aż do ostatnich etapów, używając malowanie jako przewodnik, aby pomóc jej dopasować wartości, które już wypracowała. „Prawdziwy kolor jest nasycony (wysoki kolor) w półcieniach i desaturowany (niski kolor) w najjaśniejszych światłach i najciemniejszych cieniach” - mówi. „To właśnie przekształca obraz monochromatyczny w pełny kolor, a ta transformacja jest możliwa tylko przy nieprzezroczystych warstwach kolorów całkowicie pokrywających grisaille malowanie.”
Valeri używa ograniczonej palety: „tylko kilka podstawowych i kilka wtórnych plus płatek biały, zarówno w przezroczystych, jak i nieprzezroczystych pigmentach.” Z tymi pigmentami miesza dodatkowe ciągi kolorów, które odpowiadają przejściom wartości, które widzi na danym obiekcie. „Zawsze maluję małymi, wyraźnymi kafelkami (obszarami), od cieni do światła” - mówi. „Pracuję tylko jeden mały obszar na raz, aż do najwyższego możliwego wykończenia i pozostawiam ten obszar do wyschnięcia na kilka dni, podczas gdy pracuję nad innymi obszarami obrazu.” W końcowych etapach malowania Valeri używa „dość przezroczysta farba, czasem jako szkliwo, w celu subtelnego dopasowania kolorów ustawionych na wcześniejszych warstwach.”
Czas jest po jej stronie
Proces malowania Valeri jest szczegółowy i czasochłonny. Mała martwa natura (9 × 12 lub 11 × 14) wymaga około miesiąca pracy od pierwszego rysunku do ukończonego malowania. „Kiedy uczę mój proces studentom, czasem zastanawiają się, dlaczego przechodzimy przez te wszystkie etapy i etapy; malowanie wydaje się im łatwiejsze”, mówi. „Pod koniec tego procesu, kiedy wokół studia jest ah-ma, ponieważ studenci osiągają poziomy realizmu, o których nigdy nie sądzili, że są w stanie, zaczynają rozumieć, jak potężny może być ten proces”.
Michael Lacoy to artysta, pisarz i redaktor mieszkający w Cambridge w stanie Massachusetts.
- BEZPŁATNIE: krok po kroku pokaz martwej natury Sadie Valerli.
- POBIERANIE WIDEO: Jak malować - metoda Grisaille z Johnem DeMartinem
- ZA DARMO: Przeczytaj artykuły o innych najpopularniejszych artystach z The Artist's Magazine.
WIĘCEJ ZASOBÓW DLA ARTYSTÓW
- Oglądaj warsztaty plastyczne na żądanie w ArtistsNetwork. TV.
- Uzyskaj nieograniczony dostęp do ponad 100 ebooków z instrukcjami sztuki.
- Seminaria online dla znakomitych artystów
- Dowiedz się, jak malować i rysować za pomocą plików do pobrania, książek, filmów i innych materiałów z North Light Shop.
- Subskrybuj magazyn artysty.
- Zapisz się, aby otrzymywać biuletyn e-mailowy swojej sieci artystów i pobierz DARMOWE wydanie magazynu artysty.
