Omawiając malarstwo pejzażowe, często słyszymy wyrażenie „uchwycić poczucie miejsca”. Co to dla ciebie znaczy? Dla mnie oznacza to znacznie więcej niż tylko rejestrowanie fizycznych atrybutów lokalizacji. To znacznie więcej niż sugerowanie pory dnia lub warunków pogodowych. Jeśli obraz w plenerze da mi „poczucie” tego miejsca, musi mi powiedzieć, co czuł artysta będąc tam. To musi dać mi emocje. Musi mi też pokazać rzeczy głowy i serca.
Mogę wymyślić dwóch bardzo różnych artystów, którzy uchwycili poczucie miejsca w swojej pracy. I wykorzystali różne sposoby osiągnięcia tego, co jest dla nas fantastyczne. Z nich dowiadujemy się, że istnieje prawdopodobnie cała gama opcji, które możemy zastosować, aby nasycić nasze krajobrazy tą nieuchwytną jakością.
|
|
|
| Park miejski Williama Merritta Chase'a, 1867, obraz olejny. | The Lake for Miniature Yachts Williama Merritta Chase'a, do. 1888, obraz olejny. | |
Pierwszy artysta, William Merritt Chase (1849–1916), jest wielkim ojcem amerykańskiego impresjonizmu. Swoje kształtujące lata spędził w St. Louis, Monachium i Nowym Jorku, a pod koniec XIX wieku był naprawdę wielkim znawcą wielkich miast. Wyobraź sobie, jak by to było być artystą spędzającym wszystkie dni w zatłoczonym, kosmopolitycznym otoczeniu. Teraz wyobraź sobie, jak to było, gdy Chase uciekł od tego wszystkiego, udając się, powiedzmy, do Central Parku lub Prospect Park, a nawet do wybrzeża na Long Island, które były jego ulubionymi miejscami do malowania na wolnym powietrzu. Wreszcie miejsce do oddychania! I to uczucie - to ekspansywne, szeroko otwarte uczucie - jest poczuciem tych miejsc, które udało mu się uchwycić na płótnie.
|
|
|
| Idle Hours, William Merritt Chase, 1894, obraz olejny. | |
W jaki sposób? Spójrz na jego kompozycje. Prawie każdy z krajobrazów Chase'a ma jeden duży, masywny, uproszczony kształt - albo duże niebo, albo duży plan. Poprzez projekt przekazał swoją radość w przestrzeni i wolności. Ale zauważ różnicę w jego paletach kolorów. Jego obrazy w parku miejskim nadal mają dla nich ograniczoną jakość, podczas gdy jego obrazy Shinnecock są niczym innym jak śmiałym słońcem i orzeźwiającym świeżym powietrzem.
|
|
|
|
| A Desert Valley: Panamint, Kalifornia
Maynard Dixon, 1922, obraz olejny. |
Góry Inyo
Maynard Dixon, 1922, obraz olejny. |
|
Pokolenie później Maynard Dixon (1875–1946) osiągnął tę samą jakość w swoich obrazach, choć w zupełnie innym miejscu i używając innych środków. Dixon urodził się w Kalifornii i mieszkał na południowym zachodzie w czasach, gdy znaczna część tego pustynnego regionu była niezagospodarowana, głównie dlatego, że był to trudny teren, nieprzyjazny dla ludzi. I czujesz to wszystko w jego pracy. Jego żywa paleta kolorów i kontrast o wysokiej wartości oddają nieubłagany upał i jaskrawe światło pustyni, podczas gdy jego oszczędny styl i masywne kształty pokazują zaciekły majestat jego lokalizacji, wszystkie razem pracując razem, aby przedstawić mocne przypomnienie bezradności jednego człowieka w naturze.
