Prowokujące i napięte rysunki Catherine Murphy sprzeciwiają się kategorii, pozostawiając widza zastanawiającego się, czy ściśle oddaje abstrakcję, czy abstrakcyjny realizm.
autor: Lisa Dinhofer
Skoszone pole 1985, grafit, 14 x 17. Wszystkie dzieła w tym prywatnej kolekcji o ile nie wskazano inaczej. |
Samotny tort w zapalonym piekarniku, porysowane krzesło kota, oparcie grubo naciągniętego płótna i stos zamiatania z brudnej podłogi - to niezwykłe, ale o tak zwyczajne, obrazy niezwykłego rysownika i malarza Katarzyny Murphy Niezwykłe, ponieważ wybrane obrazy rzadko są przedstawiane jako tematy dużych, złożonych, pięknie wykonanych rysunków; i zwykłe, ponieważ przedstawiają codzienne, wspólne doświadczenia. W końcu kto nie zamiatał podłogi?
Catherine Murphy jest jednocześnie minimalistką, realistką, mistrzem północnego renesansu i artystą abstrakcyjnym XXI wieku. czy to możliwe? Czy to są sprzeczności? Lub różne aspekty tego samego kamienia? Weźmy każdy pomysł osobno: Murphy komponuje swoje obrazy tak, jak zrobiłby to malarz abstrakcyjny, obserwuje z życia tak, jak robi to realista, oddaje każdy szczegół jak mistrz północnego renesansu i traktuje swoją powierzchnię równo - milimetr po milimetrze - jak minimalista. „Sprzeczność jest drogą do harmonii” - powiedział Murphy podczas ostatniej rozmowy telefonicznej. To może być klucz do tego, dlaczego dzieła Murphy'ego intrygowały i oczarowały świat sztuki w Nowym Jorku od wczesnych lat siedemdziesiątych.
Urodzony w Cambridge w stanie Massachusetts w 1946 r. Murphy przyjechał do Nowego Jorku, aby studiować, w połowie lat 60. ukończył Pratt Institute i Skowhegan School of Painting & Sculpture. Czas tutaj jest kluczowy. Późne lata 60. i wczesne 70. były okresem wielkiej fermentacji na nowojorskiej scenie artystycznej. Był to czas abstrakcji kontra reprezentacji - nigdy nie da się pogodzić tych dwóch kwestii, była powszechna myśl krytyczna. Znani i uznani artyści byli ekspresjonistami abstrakcyjnymi. „Postać nie żyje, dlatego malarstwo figuratywne nie żyje!” - to był powszechny krzyk.
Nigdy nie mów nigdy i nigdy nie mów martwy. Alice Neel, Philip Pearlstein, Alex Katz i Neil Welliver na wschodnim wybrzeżu - wraz z Waynem Thiebaudem, Davidem Parkiem i Richardem Diebenkornem na Zachodzie - ożywił tę postać. Malarstwo reprezentacyjne zostało ponownie rozważone. Catherine Murphy w tym czasie osiągnęła pełnoletność. Jej pierwsza nowojorska wystawa odbyła się w galerii kooperacyjnej First Street. Została szybko odebrana po tym wprowadzającym programie przez znanego dystrybutora Xaviera Fourcade, a teraz jest reprezentowana przez Knoedler & Company z Nowego Jorku. Murphy otrzymał wiele grantów i nagród od organizacji takich jak Guggenheim Foundation, Ingram Merrill Foundation i American Academy of Arts and Letters. Dziś jest starszą krytyką na Uniwersytecie Yale w New Haven w Connecticut i nadal regularnie pokazuje swoje prace. Jej ostatnia indywidualna wystawa nowej grafiki odbyła się w Galerii Knoedler w 2008 roku.
Rozdzielać 2007, grafit, 36 x 42 1/2. Kolekcja Fundacja Maxine i Stuart Frankel dla sztuki, Bloomfield Hills, Michigan. |
Tym, co wyróżnia Murphy jako artystkę, jest łuk jej rozwoju od pierwszych znanych rysunków z lat 70. i 80. do chwili obecnej. Mowed Field (1985) to piękny rysunek krajobrazu bez uprzedzeń, ale bezpieczny. Widz znajduje się w konwencjonalnej odległości od sceny, wystarczająco daleko, aby spojrzeć na tę uroczą przestrzeń przez łuk proscenium gałęzi i promieni słonecznych. Jest to piękny krajobraz, ale przewidywalny, którego doświadczyliśmy wcześniej. Porównaj Mowed Field z Split (2007). Nie jesteśmy już w bezpiecznej odległości, ale zamiast tego jesteśmy głęboko zmuszeni do sceny, w której martwy pień został podzielony przez człowieka i naturę. Widzimy jego wewnętrzny rdzeń i wyczuwamy fakturę gnijącego drewna, gdy wraca na ziemną podłogę. Każde ziarno jest rysowane, każda chwast odsłonięta. Skala zmieniła się również z małej i intymnej (14 x 17 cali) skoszonego pola na duże i agresywne pnie drzew, które są rysowane na powierzchni 36 "-x-42 1/2". Murphy wepchnęła swoje zdjęcia w nasze twarze. Staliśmy się aktywnym fizycznie uczestnikiem jej pracy.
To jest radykalne. To jest niebezpieczne. Niewielu artystów prosi tak wielu odbiorców. W piekarniku Light pochylamy się, aby zajrzeć do otwartego piekarnika przy bąblu z warstwą ciasta, puszki i wszystkich innych. Rogi rysunku są zaokrąglone, aby zwiększyć rozpoznawalność.
W renderowaniu Murphy nie używa skrótów; na żadnym z jej rysunków nie ma pustej przestrzeni. Nie ma gdzie złapać oddechu. Jesteśmy zmuszeni zwolnić i faktycznie doświadczyć tego wszystkiego. Bardzo trudno jest szybko przejść obok tych elementów. Ta grafika wymaga czasu i dużo czasu na jej stworzenie. Według artysty Split odbył trzy letnie słoneczne poranki, aby uzyskać odpowiednie światło. Wykonanie piekarnika zajęło nawet sześć miesięcy, a artysta co noc zamrażał ciasto w puszce. Większość rysunków Murphy'ego ma być gotowymi dziełami; nie są wstępem do obrazu. Zdaniem artysty niektóre rysunki mogą zająć więcej czasu niż malowanie.
Wiele rysunków Murphy'ego wyraża moment w czasie - to znaczy okres między akcją a jej rozwiązaniem. Na rysunku Rozlanie jesteśmy świadkami potłuczonego szkła z rozlewającym się mlekiem na drewnianym stole. Widzimy wyciek, gdy piękne odbicie okna uderza w kałużę mleka. Zdarzenie? Ledwie. Żadne martwe życie Murphy'ego po prostu się nie wydarzyło.
Oświetlenie piekarnika 2008, grafit, 29 5/8 x 37. |
Wizja może być przelotna, ale rendering nie jest. Konstruowanie tej konfiguracji to starannie zaprojektowany proces. Jak przechowujesz obraz rozlanego mleka przez miesiące, czekając, aż zobaczysz właściwe odbicie? W odpowiedzi Murphy rozlał białe gesso na drewniany stół i pozwolił mu stwardnieć i wyschnąć. Gesso niestety wyschło matowe, co było niewłaściwą powierzchnią do złapania światła, więc Murphy szczotkował akrylowy środek na górze, aby nadać wyciekowi błyszczącą, odbijającą powierzchnię.
Pierwotnie, według artysty, szkło na rysunku nie zostało rozbite. „Rysunek po prostu nie działał” - opowiada artysta. „Przychodziłam do studia dzień po dniu i to po prostu nie działało. W końcu wziąłem młotek i roztrzaskałem szkło, i oto było.”Dlatego rysunki Murphy'ego są natychmiastowe. Zaskakują nas, ponieważ artysta jest skłonny zaryzykować sześciomiesięczny utwór uderzeniem młota. Teraz Spill ma fabułę z brutalną przewagą. Kto rozlał mleko i dlaczego? Kto zbił szybę i jak? Kto to posprząta w taki piękny słoneczny dzień?
Wszystkie najnowsze rysunki Murphy'ego są czarno-białe i całkowicie tonalne. To są dwie różne opcje. Rysunek tonalny to taki, w którym powierzchnia jest budowana w czasie, niszcząc linie oddzielające krawędzie obiektów od podłoża. „W przypadku rysunku, który może potrwać miesiące, spędzam około godziny na początkowej linii.” Murphy stwierdza. Jednym ze sposobów studiowania techniki artysty jest poszukiwanie obszarów, które mogą nie być kompletne. W tych obszarach możemy obserwować rękę artysty. W przypadku Murphy'ego najlepszym miejscem do patrzenia jest krawędź obrazu, gdzie linia rozgraniczająca występuje między białym papierem a grafitem. Zwykle obszar ten jest pokryty matą w ramce. Przyglądając się uważnie, półki studyjne odsłaniają mocno osadzoną powierzchnię grafitu na papierze o dużej gramaturze. Murphy używa papieru Arches z rolki, zwykle 140 funtów, i ołówków grafitowych Prismacolor Turquoise 5B zaostrzonych do igły. Buduje grafitową powierzchnię, pracując w ciemnościach, pozostawiając biel papieru jako najjaśniejszą atrakcję. Czasami artysta pracuje od lewej do prawej, stopniowo nakładając warstwę grafitu i zmniejszając go za pomocą gumek, aż do uzyskania odpowiedniego efektu. Praca z rolki papieru zamiast pojedynczych arkuszy pozwala artystce wybrać rozmiar i kształt płaszczyzny obrazu. Na przykład: półki Studio mają wymiary 29½”x 36 3/4”, podział to 36”x 42 1/2”, a przesunięcie w górę to 25 5/8”x 33 1/2”.
Półki Studio 2008, grafit, 29 1/2 x 36 3/4. |
Wybór czerni i bieli jest znaczący. Część emocjonalnego doświadczenia z obserwacji jest usuwana przez usunięcie koloru. Rysunki te stają się dziennikarskie w ich prezentacji. Koncentrują się na przedmiotach, relacjach między obiektami i padającym na nie świetle. Co ciekawe, aby stworzyć wiarygodny przedmiot o wartości, artysta musi być dobrze zorientowany w reakcjach kolorystycznych. Każda szarość przedstawia inny kolor - w żółtych koralikach szary żółty koralik jest zupełnie inny niż kolor cielistego karku opiekunki lub zieleń bluzki. Dramat jest kolejnym elementem charakterystycznym dla czarno-białego rysunku o szerokim zakresie wartości. Narracja obrazu staje się kluczowa, jak w zadrapaniach. Oto opowieść o niewidzialnym kocie, fotelu rodzinnym i jego zniszczeniu.
Poproszenie artysty o nazwanie artystów, których najbardziej podziwia, to trudna sprawa, głównie dlatego, że tak często zmieniają się gusta i opinie. Dzisiejsze wpływy prawdopodobnie zmienią się rano. Więc co - pytamy tak czy inaczej. Odpowiedź Murphy'ego na to pytanie była interesująca. Istotnymi wpływami są minimalistyczni malarze Robert Mangold i Ellsworth Kelly. W minimalistycznym malowaniu i rysowaniu pomysł staje się kluczowy, a styl staje się nieistotny, ponieważ na powierzchni jest bardzo mało. Minimalistom interesuje się geometria płaszczyzny obrazu. Catherine Murphy uwielbia geometrię - to sposób, w jaki komponuje swoją stronę. Na przykład Swept Up przedstawia owal gruzu ze znakami z miotły skierowanymi w stronę tego owalu. Murphy traktuje swoją powierzchnię równomiernie od lewej do prawej i bez zmiany ostrości może spłaszczyć płaszczyznę obrazu, jak w niektórych minimalistycznych dziełach sztuki. Ale tutaj wpływ ustaje. Dla niektórych minimalizm jest celem. Dla Murphy'ego to dopiero początek.
Rozlanie 2007, grafit, 28 x 40. |
Prawdziwą pasją Murphy jest obserwacja - wierność temu, co widzi. Bycie wiernym swojej wizji fizycznej przynosi całą masę nowych elementów na stronie, z których przynajmniej psychologiczny i fizyczny wymiar przedmiotu. Na przykład Eileen's Back to geometryczne badanie pleców kobiety. Tak, ale nie można zaprzeczyć, że jest to bardzo piegowata kobieta w średnim wieku, kompozycja przycięta na szyi, aby zwrócić uwagę na łopatki między paskami stanika. Dotykamy jej skóry naszymi oczami. W Swept Up mamy widok pyłu z myszy. Krótko mówiąc, minimaliści odpychają nas, ale Murphy przybliża nas do siebie. Czasami zbyt blisko i zbyt osobisto? Z pewnością pokazuje nam przeoczone zakątki naszego życia. W tych kątach jest poezja i muzyka. Ale bez romansu - sztuka Murphy'ego jest sztuką prawdziwą i nieokreśloną.