Rysowanie ma kluczowe znaczenie dla procesu twórczego Gary'ego Akersa, pomagając mu poznać temat, decydować o strukturze wartości i kompozycji oraz zdefiniować punkt centralny.
Podoba ci się to, co czytasz? Zostań subskrybentem akwareli już dziś!
autor: Lynne Moss Perricelli
Białe wiadro 2007, akwarela, 12¼ x 18¼. Dzięki uprzejmości Hammer Galleries, Nowy Jork, Nowy Jork. |
Gary Akers rozpoczyna każdy obraz akwareli od rysunku, który jest powszechną praktyką wśród praktyków medium. Tym, co wyróżnia Akersa, jest jego zaangażowanie na tym etapie, ponieważ czasami wykonuje prawie tuzin szkiców do dużego obrazu. Inne prace nie wymagają tak dużego planowania, ale prawie wszystkie z nich zaczynają się od studium grafitu i akwareli jako rodzaj próby próbnej dla ostatniego dzieła. „Nie ma w tym żadnego uzasadnienia” - mówi artysta. „Robię tylko to, co konieczne, aby wymyślić, jak skomponować ostateczny obraz”. Uważa jednak, że rysunek jest podstawą jego procesu. „Musisz umieć rysować, aby malować, a ja uwielbiam rysować. To właśnie robię w moim malarstwie.”
Przez to artysta ma na myśli, że rysunek ma krytyczne znaczenie nie tylko na wczesnych etapach malowania, ale także na końcu, kiedy często wykorzystuje pędzel do zdefiniowania punktu centralnego lub wyostrzenia ważnych szczegółów. Drybrush jest techniką, w której artysta stosuje obciążony pędzel z przeważnie suchym, rozłożonym włosiem do nakładania drobnych szczegółów na małe obszary. Zainteresowanie Akers tą techniką wynika z jego pracy z temperą jajeczną, w której używa pędzla z igłą, aby stworzyć obraz z kreskowanymi liniami. „Liniowa jakość temperamentu jaja przypomina rysowanie grafitem” - opisuje. „Używanie suchego pędzla w akwarelach jest przedłużeniem rysowania w ten sam sposób, ale nie wchodzę w tak wiele szczegółów.”
Berry Basket 2005, akwarela, 13¾ x 9¼. Prywatna kolekcja. |
Akers mieszka w środkowej wybrzeży stanu Maine pięć miesięcy w roku, a na wsi w Kentucky do końca, zapewniając mu wiele różnorodnych tematów. Mówi, że większość poddanych znajduje „przypadkiem”. „Przychodzą do mnie niespodziewanie. Widzę sposób, w jaki światło uderza w obiekt, i podoba mi się poczucie głębi lub tekstury, które się tworzy.”W ten sposób szuka czegoś, co określa jako„ decydujący moment”w grze światła w formach i zapisach pomysły w szkicach i fotografiach, a także w jego pamięci. Równie ważne jest jednak emocjonalne połączenie artysty z tematem. Na przykład światło w piwnicy artysta zszedł po schodach w starym domu w piwnicy i znalazł kilka koszy z jabłkami, ziemniakami i rzepą skąpanych w miękkim blasku światła powyżej. „Mały pokój nie miał okien” - wspomina artysta. „Jedyne światło padało z otwartych drzwi w podłodze. Gdy słońce uderzy w bieloną ścianę tynku, pokój rozświetli się, jakby żarówka została włączona. Nie mogłem w to uwierzyć. Każdego popołudnia na krótki czas pojawiał się ten piękny trójkąt lśniącego światła. To było jak magia, a miejsce naprawdę mnie zafascynowało. Przypomniał mi farmę moich dziadków i przywołał wspomnienia z dzieciństwa.”
Akers rozpoczyna każdy nowy obraz w studio, gdzie najpierw wykonuje kilka szkiców grafitowych, aby sfinalizować strukturę wartości i kompozycję. Następnie wykonuje pełny rysunek grafitem - który może potrwać do 10 godzin - na końcowej powierzchni, którą zwykle jest deska Bristol z serii Strathmore 500. Gładka, twarda powierzchnia nie absorbuje pigmentu i wody, ale raczej pozwala myjkom unosić się na wierzchu, tworząc bogatsze, głębsze kolory. „To, co umieszczasz na tablicy na początku, ma taką samą intensywność na końcu” - opisuje artysta. „W przypadku papieru tłoczonego na zimno odkładasz pranie i tracisz wartość lub dwie, gdy farba znika w papierze”. Kolejną zaletą deski jest to, że gładka powierzchnia jest podobna do wyciętej płyty, do której jest przyzwyczajony. tempera.
|
Refleksje w Red Study 2006, akwarela, 10¼ x 15¼. Prywatna kolekcja. |
Artysta używa podstawowych materiałów, nie wykazując preferencji dla farb i pędzli. Jego paleta, ułożona od chłodnej do ciepłej na palecie John Pike, którą kupił w college'u w latach 70., składa się z błękitu ceruleanowego, błękitu kobaltowego, błękitu ultramarynowego, soku zielonego, oliwkowozielonego, kadmu czerwonego światła, kadmu żółtego światła i głębokiej, żółtej ochry, raw sienna, raw umber i burnt sienna. Jego pędzle są przeważnie okrągłe w sobolach i mieszankach, a także pędzel malarza domowego i 3-morszczuk, z których oba używa do układania na dużych obszarach. „Nadużywam moich pędzli i zwykle otrzymuję z nich jeden lub mniej obrazów” artysta mówi: „Wchodzę w papier, w ruchy i robię dużo szorowania i szorowania”. Rzadko stosuje płyn maskujący, woląc zamiast tego malować wokół białych.
Akers zaczyna od leżenia w szerokich myjniach, rozwijania najpierw najciemniejszych ciemności i uważania na zachowanie białych. Następnie buduje kolory i formy z większą liczbą warstw, pozostając stale świadomym struktury wartości, którą planował w początkowych szkicach. Jeśli zdecyduje, że dzieło potrzebuje więcej tekstur i detali, stosuje suchy pędzel, stosując jedną z dwóch technik. Aby poprawić wyczucie tekstury, np. Skóry, kory lub trawy, używa starej szczotki syntetycznej, aby wcisnąć farbę na palecie, a następnie wyciąga szczotkę z włosiem rozłożonym w różnych kierunkach i nakłada ją na deskę. „Takie podejście zachowuje pewne poczucie spontaniczności, ponieważ nie mogę kontrolować aplikacji farby” - mówi Akers. W drugim podejściu artysta zanurza sobolowy pędzel w farbie, wyciska go palcami, aby zrobić ostry punkt, a następnie układa cienkie linie, które kontroluje dla najściślejszych szczegółów. „Kiedy stworzyłem zbyt wiele szczegółów”, mówi, „przemierzam obszary z myciem, aby połączyć je z otaczającymi je obszarami”. Przyznaje, że suchy pędzel nie jest dla wszystkich, głównie dlatego, że wymaga więcej planowania i cierpliwości, ale on zachęca artystów do wypróbowania go w obszarach, które zamierzają skupić. „Osobiście uważam, że połączenie luźnych prań i ciasnych detali tworzy mocny obraz”, mówi.
Światło w piwnicy 2006, akwarela, 10¼ x 15¼. Prywatna kolekcja. |
Kiedy Akers po raz pierwszy zaczął pracować w akwareli, po ukończeniu college'u w latach 70. studiował malarstwo i techniki wielu artystów, szczególnie pociągając Andrew Wyeth, Winslow Homer i Edwarda Hoppera. Wszyscy ci artyści wywarli na niego znaczący wpływ, chociaż teraz Akers czuje się mniej pociągany przez innych artystów. „Na początku, jak wielu artystów, patrzyłem na wszystko. Teraz chcę robić swoje i nie wykonuję pracy innych artystów, tak jak kiedyś”.
Podążanie własnym kursem doprowadziło do znacznego sukcesu i uznania artysty, zdobywając wiele nagród i wybitnych kolekcjonerów. Akers przypisuje swoje szczęście fortunie w ustalaniu celów, bazując na każdym poprzednim osiągnięciu. „Kiedy zaczynałem”, wspomina, „wyznaczyłem sobie cel, aby stać się sygnowanym członkiem American Watercolor Society. Kolejnym celem było pojawienie się w American Artist. Ostatnio moje cele koncentrowały się na uzyskaniu reprezentacji w nowojorskiej galerii”. Niedawny indywidualny pokaz Akersa w nowojorskim Hammer Galleries potwierdza jego osiągnięcia w tym zakresie. „Dzięki mojej pracy na wystawach regionalnych, a następnie krajowych wystawiał ją właścicielom galerii i czasopism, co doprowadziło do powstania większej liczby galerii i wystaw” - zauważa. „Oczywiście to wszystko powoduje więcej terminów i stresu, ponieważ nie traktuję żadnego programu lekko, ale są one zbudowane jeden na drugim”.
Maine Memories 1999, akwarela, 19 x 29. Prywatna kolekcja. |
We wszystkich swoich osiągnięciach jako malarz, Akers jest przede wszystkim rysownikiem, a akt rysowania informuje o każdym etapie jego procesu twórczego. Zachęcając innych artystów do narysowania jak największej liczby, sugeruje „rysowanie tego, co wiesz i do czego możesz się odnosić”, tak jak to zrobił. To rada, którą się słyszy raz po raz - a jednak zawsze trzeba ją powtarzać.