Steve Rogers może wskazać konkretny czas w swojej karierze, kiedy jego akwarele zmieniły się ze średnich na wyjątkowe. Stało się tak, gdy poznał swoją przyszłą żonę, znalazł temat, który pasjonował się malarstwem i miał doświadczenie religijne.
autor: Stephen Doherty
Zachód słońca Vernazza 2000, akwarela, 28 x 40. Wszystkie dzieła w tym artykule prywatna kolekcja o ile nie wskazano inaczej. |
Artysta z Florydy, Steve Rogers, w ostatnich latach awansował na czołowe miejsca w amerykańskich akwarelach i wygrywa główne nagrody, oceniając wystawy krajowe, demonstrując przed dużą publicznością i prowadząc wypełnione warsztaty. Ale 15 lat temu był jak wielu artystów, którzy przeżyli, sprzedając akceptowalne obrazy regionalnych tematów. „Malowałem więcej mew, latarni morskich i łodzi, niż chciałbym pamiętać” - mówi z chichotem. To doświadczenie pomaga mu motywować uczniów do znacznej poprawy akwareli. „Staram się pomagać im w doskonaleniu umiejętności, ale najważniejszą rzeczą, którą myślę, że mogę się z nimi podzielić, jest znaczenie malowania z pasją.”
Rogers odnalazł swoją pasję w wyniku kilku zmian życiowych w latach 80. i 90., z których najważniejsze były spotkanie z żoną Janet na warsztatach Roberta E. Wooda w 1984 r.; swoją pierwszą podróż malarską do Grecji w 1992 r.; i doświadczenie religijne podczas pierwszej podróży śródziemnomorskiej. „Oczywiście nie mogę uczyć uczniów, jak znaleźć małżonka i nie chcę narzucać im swoich przekonań religijnych, ale mogę pomóc im zrozumieć, jak ważne jest malowanie czegoś, na czym im naprawdę zależy”, mówi Rogers. „Oceniłem wiele wystaw akwarelowych i widzę tak wiele dobrze wykonanych i dobrze zaprojektowanych obrazów, które nie oferują nic więcej. Artyści nie rozmawiają z widzami z głębi serca.”
Jednym ze sposobów, w jaki Rogers zaleca wykonanie tego ważnego zadania, jest poświęcenie czasu na przemyślenie tematu przed jego pomalowaniem. „Moje najlepsze pomysły pozostają w pamięci przez miesiące i lata, zanim je pomaluję” - wyjaśnia. „Ale nawet kiedy podróżuję i maluję, mam czas, aby po prostu usiąść i pomyśleć o lokalizacji. Te chwile spędzone na wchłonięciu nowej lokalizacji, podczas gdy siedzę cicho, popijając filiżankę kawy i biorąc pod uwagę wszystkie widoki, dźwięki i emocje związane z tym miejscem, pomogą mi odpowiedzieć na całe doświadczenie. Obrazy okazują się o wiele lepsze niż gdybym tylko szybko zrobił zdjęcie i przeniósł się do następnego miejsca.”
Kroki Plaka 1995, akwarela, 28 x 40. |
Rogers zachęca także swoich uczniów do malowania przedmiotów o znaczeniu osobistym, nawet tych wrażliwych lub osobistych. „Kiedy prowadzę warsztaty, nie nawracam, ale daję ludziom znać, że inspiracją dla mojej pracy jest moja wiara w Boga” - wyjaśnia. „Nie maluję tematów religijnych per se, ale wierzę, że„ Bóg jest światłem”. Maluję z głębokiego wpływu, który Jezus namalował w moim sercu! Dzielę się tym ze studentami, nie próbując ich nawracać, ale wskazując na znaczenie znalezienia własnego głosu w sposób, który wnosi pasję do procesu twórczego. Malarstwo polega na komunikowaniu się na najbardziej podstawowym i osobistym poziomie.”
Część procesu oferowania tej komunikacji zyskuje kontrolę nad procesem malowania, a Rogers demonstruje swoje metody malowania zarówno dużym grupom artystów, jak i uczestnikom warsztatów. „Jestem malarzem studyjnym, który pracuje przede wszystkim ze zdjęć cyfrowych”, wyjaśnia, „ale opracowuję wstępne rysunki w sposób wykraczający poza mechaniczny zapis dostarczony przez aparat. Zwykle zaczynam od stworzenia 18-calowego rysunku konturowego obiektu, w którym obszary cieni są dobrze rozwinięte. Przez „kontur” rozumiem rysunek wykonany bez podnoszenia ołówka lub pióra piórkowego z papieru. Wolę to, ponieważ chcę, aby linie płynęły, aby nie były sztywnymi konturami kształtów. Następnie robię zdjęcie slajdów i rzutuję je na powierzchnię papieru akwarelowego.”
Refleksje nad Canale Grande 1998, akwarela, 28 x 40. |
Rogers lubi być dobrze przygotowany, zanim zacznie malować, więc nie przeszkadza mu podczas tego procesu. „Ważne jest, aby farby spływały razem i mieszały się na papierze, co jest trudne do osiągnięcia, jeśli muszę przestać wyciskać więcej farby lub poprawiać rysunek” - wyjaśnia. „Zaczynam od narysowania na arkuszu 300-funtowego papieru tłoczonego na zimno. Następnie moczę go i delikatnie usuwam nadmiar grafitu naturalną gąbką. Po 10 lub 12 minutach zszywam ją na deskę, pozwalając jej wyschnąć, aby papier się „rozciągnął”. Suszę krawędzie papieru w pobliżu zszywek za pomocą suszarki do włosów, aby zapobiec zdzieraniu papieru przez zszywki.
„Ponieważ pracuję z przezroczystymi odcieniami koloru, muszę upewnić się, że obszary obrazu, które zostaną pomalowane, są czyste i białe, więc kształty naprawdę pojawiają się po ukończeniu obrazu”, wyjaśnia Rogers. „Pomagając uczniom w tym ważnym aspekcie akwareli, zwykle radzę im przeprowadzić badanie wartości przygotowawczych, aby dokładnie wiedzieli, gdzie będą te białe kształty. Sugeruję również, aby myśleli w kategoriach trzech podstawowych wartości w obrazie - ciemności, środka i światła - przy czym najlżejszą wartością jest biel papieru. W miarę zdobywania doświadczenia mogą wykraczać poza tę uproszczoną strukturę i pracować bez badań przygotowawczych.
Nowy dok Smyrna 1991, akwarela, 21 x 29. |
„Po zakończeniu wstępnych prac i uporządkowaniu wszystkich materiałów malarskich zaczynam malować najciemniejsze kształty w kompozycji wartości” - wyjaśnia Rogers. „Sprzeciwiam się radom, które wielu innych nauczycieli daje swoim uczniom, ale z mojego doświadczenia leżenie w ciemności jako pierwsze da malarzom pewność, że będą używać mocniejszych kolorów średniej wartości zamiast malować kilka wstępnych warstw pigmentu.
„Powinienem dodać kilka słów ostrożności dotyczących malowania początkowych pociągnięć ciemnego koloru”, szybko dodaje Rogers. „Zbyt często akwareliści popełniają błąd, zakładając, że ciemne wartości należy pomalować za pomocą intensywnego nakładania pigmentu, ale nie zawsze jest to prawdą. Zbyt dużo farby lub zbyt wiele warstw ciemnego pigmentu może powodować, że kolory będą mętne i pastowate. Celem powinno być osiągnięcie jak największej przejrzystości w ciemności. Podobnie jak w przypadku każdego innego aspektu malarstwa, kwestia dotyczy względnej wartości, a nie intensywności nakładania farby. Co więcej, ciemnych wartości nigdy nie należy zwykle malować za pomocą tej samej mieszanki ciemnych kolorów, takich jak sepia lub błękit ultramarynowy. Ciemne wartości mogą przechodzić między czerwonym, niebieskim i zielonym. W ciemnych pasażach polegam na bardzo przezroczystych, mocniejszych pigmentach, takich jak błękit pruski, trwały szkarłat alizarynowy, trwała magenta, spalona sienna, francuski ultramaryna niebieska, brązowy marzan, aureolina, a nawet surowa sienna (nigdy żółta ochra). Nigdy nie używam barwiących zieleni tubusowych ani czarnych.
Światło weneckie 2003, akwarela, 29 x 21. |
„Po ustaleniu tych ciemności buduję wartość w taki sam sposób, jak zrobiłby to malarz olejny: od wartości średnich do najważniejszych”, opisuje Rogers. „Na każdym etapie opracowywania kompozycji dokładam wszelkich starań, aby farba była płynna, aby pigmenty były zintegrowane, a nie izolowane, a także integracja ciepłych i chłodnych kolorów. Żaden kształt nie jest całkowicie chłodny ani ciepły w temperaturze barwowej, a farbę należy nakładać, aby w ciepłych, nasłonecznionych obszarach były chłodne odcienie, a odwrotnie, ciepłe kolory w chłodnych cieniach.”
Mówiąc o zachowaniu płynnych przejść między kształtami i kolorami, Rogers podkreśla, że podczas malowania używa tylko jednego pędzla. „Zwykle maluję cały obraz za pomocą nr 18 Taniego języka smoka Joe'ego lub pędzla Escody. Gdybym przestał używać tego dużego pędzla i zszedł na mniejszy, kolejne pociągnięcia farby prawdopodobnie stałyby się mocniejsze i mniej flui
Pędzel Rogersa nie jest jedynym ważnym narzędziem w jego procesie twórczym. Jest bardzo konkretny w odniesieniu do rodzaju palety, której używa, doboru kolorów tuby i ubrań, które nosi podczas pracy. „Używam wszystkich pigmentów klasy Winsor i Newton, z wyjątkiem trzech kolorów Holbein (permanentna magenta, brązowa szaleństwo i kobaltowa zieleń) oraz niebieskiego koloru manganowego American Journey” - ujawnia artysta. „W obszarach o średniej i średniej wartości wolę takie pigmenty granulujące, jak kolory ziemi, kadm, błękit ceruleanowy i błękit manganu. Staram się być intuicyjny w dokładnym doborze pigmentu do każdego obszaru obrazu. To jeden z powodów, dla których zawsze umieszczam pigmenty w tych samych dołkach palety malarskiej. Chcę po prostu sięgnąć po kolor w taki sam sposób, w jaki naciskałem klawisz na klawiaturze komputera, skupiając się na obrazie, a nie na palecie.
Refleksje z rana - łodzie targowe 2006, akwarela, 28 x 40. Kolekcja artysty. |
„Uczniowie zwykle nie mają wystarczającego doświadczenia, aby automatycznie wybrać odpowiedni kolor, dlatego zachęcam ich do oddzielenia pigmentów przeznaczonych dla jasnych i średnich wartości od tych, które będą używane w ciemności”, kontynuuje Rogers. „W przeciwieństwie do mojej żony, Janet, częściej używam kolorów nieprzezroczystych i granulujących niż syntetycznych, barwiących, takich jak chinakrydony i ftalocyjaniny, szczególnie w jasnych i średnich wartościach obrazu. Łatwiej jest mi subtelnie dopasowywać wartości za pomocą znanej mi palety i mogę manipulować kombinacjami kolorów przez dłuższy czas. Staram się stosować idealny kolor w każdej sytuacji, ale w rzeczywistości rzadko się to zdarza i muszę wprowadzić poprawki. Czuję się bardziej komfortowo dzięki standardowemu wyborowi kolorów tubek i tego samego rozciągniętego papieru. Na przykład uważam, że pigmenty granulujące są szczególnie skuteczne w wychwytywaniu zmysłu światła.
„Trzymam w dłoni moją małą lekką paletę Cheap Joe w taki sam sposób, jak malarz olejny. To ułatwia moje bezpośrednie podejście do malowania. Dodałem kilka pełnych naczyń ceramicznych, które należały do mojego ojca-artysty, jako uzupełnienie 17 głębokich studni. Podczas malowania na miejscu używam składanej metalowej palety Holbein, które pomagają mi malować w bardziej bezpośredni i bezpośredni sposób. Paleta utrzymuje również wilgotność farby przez dłuższy czas, jeśli wyciskam dużo świeżej farby i klepię ją lub mieszam, aż będzie płasko w przedziałach. Uczniowie często popełniają błąd, układając nieodpowiednie ilości pigmentu, co utrudnia uzyskanie mocnych kolorów i wartości.
Refleksje z rana - Wenecja 2004, akwarela, 40 x 28. Kolekcja artysty. |
„Maluję stare ubrania w neutralnych kolorach” - wyjaśnia Rogers, omawiając najbardziej nieoczekiwany aspekt procesu malowania. „Próbowałem przebierać się, gdy prowadzę demonstracje dla dużych grup, ale stałem się tak samoświadomy, że nie mogłem dobrze malować. Najważniejsze jest stworzenie najlepszego możliwego obrazu, nawet jeśli oznacza to wyglądanie jak slob. Podczas malowania noszę chustkę, a jeśli maluję ciepły obraz, to jest czerwona chustka. Jeśli mój obraz ma być fajny, chustka jest niebieska. To nie ustanawia specjalnej aury, która przenika moją psychikę, ale przypomina mi o moim celu.
„Zawsze stoję, kiedy maluję, bez względu na to, czy jestem w studiu, czy pracuję na miejscu” - dodaje Rogers. „Płytę, na której przymocowany jest papier, umieszczam pod niewielkim kątem, ponieważ farba akwarelowa musi płynąć z siłą grawitacji. W domu maluję na dużym stole kreślarskim znajdującym się w moim dobrze oświetlonym studio. Moje zdjęcie cyfrowe jest widoczne na monitorze komputera i mam do dyspozycji kilka odbitek o wymiarach 8 x-10-calowych, które można wykorzystać w przyszłości. Pracując na zewnątrz, stoję przy francuskiej sztalugach Julliana.
Pokój Wenecji 2004, akwarela, 40 x 28. |